Clay, el personaje principal de “El holandés”, pasa una noche infernal en Nueva York, el tipo de noche que podría acabar con su vida o cambiarla de manera seriamente material. Una persona que conoce le aconseja que “preste atención a las advertencias de quienes vinieron antes que usted, para que su destino sea diferente”. Así, esta adaptación de la famosa obra de Amiri Baraka de 1964, “Dutchman”, sobre la raza y la identidad negra, anuncia su intención de ofrecer una interpretación alternativa y actualizada de un texto fundacional. La película añade referencias modernas y está ambientada en el presente, pero su tratamiento de los temas de la obra sigue siendo turbio y empañado por la incapacidad de abandonar lo que el director Andre Gaines obviamente considera un texto sagrado.
La adaptación, escrita por Gaines con Qasim Basir, comienza durante una sesión de terapia matrimonial. Clay (André Holland), un exitoso hombre de negocios negro, intenta comprender por qué su esposa Kaya (Zazie Beetz) lo engañó, a pesar de que parece estar a la defensiva y ser incapaz de abrirse emocionalmente. El terapeuta (Stephen McKinley Henderson) le insta a escuchar a su esposa. A pesar de la tensión palpable entre la pareja, su compromiso y amor son evidentes. No están en el camino de la separación, sino quizás de una mejor comprensión de las necesidades de cada uno.
Mientras viaja a una recaudación de fondos en Harlem para un amigo que se postula para un cargo (Aldis Hodge), Clay se encuentra con una extraña mujer blanca en el tren. Desde el momento en que lo ve, Lula (Kate Mara) parece decidida a sorprender, seducir, burlarse y repeler a Clay. En un momento ella lo invita a su cama y al siguiente lo amenaza con llamarlo “violación”. Ella insiste en acompañarlo a la fiesta donde está decidida a causar caos y alterar sus relaciones con su esposa, sus amigos y su comunidad. Nunca se explica qué motiva su fijación por Clay.
En la obra de Baraka, Clay y Lula sirven como representaciones alegóricas de la asimilación negra y la supremacía blanca, respectivamente. Escrita e interpretada en el apogeo del movimiento por los derechos civiles, “Dutchman” fue audaz y adelantada a su tiempo. Sus temas provocativos y la forma visceral en que los aborda han desafiado al público. Al intentar abrirlo a una audiencia de 2026, Gaines y Basir añaden dimensión a Clay, mientras dejan a Lula con poco más que un mecanismo de confrontación. Este desequilibrio (un personaje principal convertido en carne y hueso mientras el otro nunca cobra vida) obstaculiza la narrativa central de la película.
La obra se desarrolla en un tren subterráneo, y si bien este sigue siendo un escenario central, Gaines abre el drama, situando a Clay y Lula dentro de un panorama social más amplio, reforzando la idea de que su encuentro no es aislado sino que está arraigado en la violencia de Nueva York. Su encuadre de las escenas juntos, ya sea en el tren, en su apartamento o en una gran fiesta llena de gente, permite a los actores interpretar bien entre sí.
Curiosamente, se hace referencia abierta a “Dutchman” varias veces en el guión. Clay recibe una versión impresa de la obra de su terapeuta desde el principio. Se le muestra una versión en miniatura de un teatro donde su “personaje” aparece como un pequeño juguete para manipular. Ve una producción de televisión transmitida en el escaparate de una tienda de electrónica mientras camina con Lula.
Henderson desempeña múltiples papeles y continúa apareciendo como un espectro a lo largo del proceso para comentar y recordar la obra. Su personaje a veces se llama Amiri y cita directamente la obra y otros textos conocidos sobre la identidad negra estadounidense. Esta metaincorporación de la obra añade una sensación de déjà vu a la película, sugiriendo que lo que le sucede a Clay puede ser un rito de iniciación que todo hombre negro debe afrontar en este país.
La adaptación de Gaines y Basir se ciñe a los orígenes intelectuales de la obra. Sin embargo, nunca logran emotivar la historia, conservando sus temas sin modernizarlos. Quizás ese sea el problema: los hombres afroamericanos contemporáneos tienen que lidiar constantemente con su identidad y cómo los percibe la sociedad blanca. Si el motivo de esta adaptación es continuar esta conversación para una nueva generación, entonces lo han conseguido.
Holland aporta vívidos matices a un papel escrito como símbolo de su raza y nacionalidad, lo que lo convierte en el principal motivo para ver esta adaptación. Es inmediatamente creíble como un hombre enamorado que también sufre, como un hombre con deseos que preferiría no reconocer y como una persona ambiciosa que cree merecer su éxito: temas todos a los que alude el texto y que Holland da vida combinando intensidad con vulnerabilidad. En su monólogo final, agrega toques de sarcasmo para cubrir la justa ira que siente su personaje, dándole a la película el final explosivo al que se dirige, incluso si realmente no lo merecía.
“El holandés” existe en un espacio tenso entre la reverencia y la reinvención. Se trata de una adaptación tan consciente del poder y el legado del texto de Baraka que nunca confía plenamente en sus propios instintos. El resultado es una película que provoca pensamiento más que emoción, que invita al debate, al tiempo que niega al público la dimensión emocional que podría haber resaltado su relevancia.
