En 1949, el coreógrafo Jerome Robbins llamó a Leonard Bernstein con una idea de la actualización “Romeo y Juliet” en un musical contemporáneo en Broadway. Robbins no sabía cuál sería, pero él sabía lo que no sería: ¡una ópera!
Cuando “West Side Story” tuvo sus primeros ocho años después, se había convertido en una reflexión cautivadora y trágica sobre el racismo. Pero aún no hay ópera. Bernstein insistió en que la ópera está resuelta por la música y se hablan las últimas líneas de María en “West Side Story”, una súplica apasionada contra la violencia armada.
La ópera de Los Ángeles abrió sus 40th Ingrese el sábado por la noche con “West Side Story” en Dorothy Chandler Pavilion. Nadie, y especialmente Bernstein, nunca dijo que “West Side Story” fue operatorio. De hecho, la brillantez del espectáculo, su marca indeleble en el teatro musical es su tratamiento de la canción y la danza, en la capacidad del movimiento estilizado y ahora emblemático de Robbins y la partición de Bernstein para darnos la física y la interioridad de las personas y el lugar. La única vez que el propio Bernstein ha dirigido “West Side Story” fue para una grabación gloriosa, aunque controvertida con las estrellas de ópera.
Sin embargo, mucha tinta continúa siendo anulada y se difunden muchos podcasts, para justificar o no las referencias de la ópera de la “historia del lado oeste”. Si hay algo simbólico en este programa en el Chandler en este momento, es que el primer mayor de la ópera se anunció hace 40 años con la ópera más grande basada en una tragedia de Shakespeare, “Otello” de Verdi y ahora ha marcado su último cumpleaños con el teatro musical más grande basado en una tragada de Shakespeare.
La producción de Francesca Zambello tiene una gran parte de la aparición del original de Broadway. Se mantuvieron los bailes de Robbins, al igual que el libro original de Arthur Lauents. Pero asistir a la ópera en el Chandler no se siente en un teatro de Broadway.
De la manera más básica, esto significa que se presta más atención a la música. La orquesta ya no es Merher (28 jugadores) y no es tan ardiente como un grupo de Broadway, pero es capaz de producir lujo y lyismo bajo James Conlon, que comienza sus 20th Una temporada de aniversario (y último) como director comercial de la compañía. Proporciona una grandeza, fuera de palabras a Broadway, lo que sugiere una profundidad instantánea para aviones y tiburones, pandillas anglo y puertorriqueñas. Todos provienen de familias inmigrantes, los adolescentes latinos consideraron intrusos y extranjeros.
La producción mantiene la coreografía original de Jerome Robbins, mientras que James Conlon dirige con la grandeza operativa en Dorothy Chandler Pavilion.
(Brian Feinzimer / por tiempo)
Amantes – Tony (polaco) y María (puertorriqueña) – son, aquí, cantantes de ópera. El tenor del duque Kim había sido Romeo en la producción de la ópera de “Romeo y Julieta” de Gounod la temporada pasada. La soprano Gabriella Reyes, en sus comienzos en los negocios, está familiarizado con el público de la ópera metropolitana. Sus voces son grandes. No necesitan amplificación, pero obtienen, lo cual es afortunadamente respetuoso.
Un problema de “West Side Story”, desde el primer día, era la necesidad de cantantes que pudieran manejar las complejidades expresivas de las canciones de Bernstein y la complejidad física de la coreografía de Robbins. Si parece extraño que ocho cantantes de coros figuran en el programa para un espectáculo del coro, es porque la ópera ofrece excelentes cantantes de coros para estar ocultos detrás de escena para fortalecer sutilmente a los cantantes fuera del camino. Parece que esto no debería funcionar. Este es el caso.
Sin embargo, hay una irrealidad anacrónica de todo esto. Aunque la ópera anuncia la coreografía de Robbins como una atracción, y el baile de los escalofríos como se anunció, es muy 1957. Durante años, el dominio de Robbins no ha dejado a nadie para alcanzar sus bailes o su producción. Poner “West Side Story” también significa desafíos con respecto a la modificación del texto de Laurent. Hay otros supervisores de Bernstein y el libro de Steven Sondheim de Bernettists a considerar. Relevancia contemporánea para manejar.
El casting contemporáneo actualiza el material clásico de 1957, creando una relevancia atemporal para los conflictos y debates de inmigración actuales sobre la violencia armada.
(Brian Feinzimer / por tiempo)
En 1957, el centro de música era un sueño, Dorothy Chandler comenzó solo la colección de fondos dos años antes para un Olimpo artístico en una gran vía bien registrada que evitaría un nuevo distrito comercial. Sin embargo, es el mismo centro de la ciudad que se ha convertido en el primer lugar de una nueva represión nacional contra los inmigrantes latinos que ha evolucionado en las últimas siete décadas a una escala operativa ahora entre el ejército y la población.
Solo hay una sospecha de modernidad en la producción de Zambello. Los aviones ya no son anglo, pero no latinos. Kim es coreano, aunque siempre se identifica en el texto como polaco. Los insultos raciales originales deben permanecer, lo que produce un choque de ópera directamente.
Kim tiene una facilidad natural en el escenario. Lleva un tiempo proyectar un sentido de carácter. Todavía no hay mucho por venir con “algo por venir”, pero su voz ágil es un proyectil de tenor limpio y claro elástico en la ópera Fortissimos y atenuado en susurros dulces y suaves de Broadway. Pronto llega a la vida.
La presencia de Reyes es principalmente la ópera. Ella tiene un vibrato que se mueve. Ella no es particularmente niña. Love Music le adapta más, y Kim se vuelve bien con su “Tonight” y “Tonight” y “One Hand, One Heart”. “María” es alta y un poco rara para una mujer joven con un póster de conejo grande en su habitación (una de las pocas actualizaciones).
Sin embargo, ella es una tragedia convincente: una adolescente que madura ante nuestros ojos en una fuerza de la naturaleza. Se puede hablar su momento más grande, pero su horror acusador de la violencia armada es algo que requiere un poderoso cantante de ópera para transformarse en un sermón del que es imposible alejarse.
Actores cantantes que vienen del Teatro Musical, Amando Castro es una ardiente Anita; P. Tucker Worley, riff dinámico; Yurel Echezarreta, un Bernardo Suave. Pero es una fría colectiva, ira, indignación, masculinidad tóxica, odio y terrible y terrible dolor del gran espléndido que hace que la producción sea significativa.
“West Side Story” no se refiere a lo bueno y lo malo, sino las condiciones. Una antigua producción de ópera de moda puede ser un poco brillante en las condiciones, pero la esencia del espectáculo es generar nuestra simpatía por todos los personajes y su valor inherente, lo que demuestra que la violencia es nuestra culpa, no la suya.
La ópera plantea esto para revelar la atemporalidad. Vamos a la gran avenida o nos deslizamos en el garaje y nos distanciamos, temeroso de ver lo que está ante nuestros ojos, nuestra sociedad a la manera de su funcionamiento.
