Se suponía que Oceanwide Plaza era un trío de relucientes torres de uso mixto de gran altura en el corazón del centro de Los Ángeles. En cambio, sus estructuras inacabadas fueron abandonadas cuando el desarrollador se quedó sin dinero para la construcción de lujo de mil millones de dólares en 2019; ahora constituyen una ruina de la ambición capitalista y un lienzo involuntariamente espectacular para atrevidos actos de graffiti. Un artista no podría haber imaginado un mejor monumento para rendir homenaje a la arrogancia del desarrollo sobrecalentado en una ciudad donde tantas personas permanecen sin vivienda.
Como resultado, la artista de Los Ángeles Sayre Gomez construyó un modelo increíblemente preciso de las torres, que ahora podrá verse hasta el 1 de marzo en su exposición “Precious Moments” en la Galería David Kordansky. Creada a partir de imágenes de las torres reales capturadas con drones, la escultura mide más de 8 pies de alto y es increíblemente precisa, registrando los detalles de cada obra de graffiti, las texturas del concreto y el hierro, así como los escombros de construcción abandonados al azar en el sitio. La atención de Gómez al recrear estos matices no sólo ofrece vistas de las torres que no se pueden ver desde la calle, sino que pide a los visitantes que presten atención al desperdicio, el abandono y las posibilidades frustradas que simbolizan en nuestro núcleo urbano.
La obra se puede comparar con las esculturas de Chris Burden, pero con finalidades muy diferentes. La carga”Metrópolis II,» Aún a la vista en el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles, hay una vertiginosa pista circular para autos de juguete que zumban entre relucientes rascacielos. Suscita asombro ante la densidad y el dinamismo de una ciudad fantástica. “Oceanwide Plaza” de Gómez, por otro lado, representa algo real y bastante distópico. La escultura destaca el florecimiento de un sueño de crecimiento desenfrenado tal como se produce, en tiempo real, en nuestra ciudad.
Esto podría resultar ser una instantánea fortuita. A principios de este mes, la ciudad de Los Ángeles azotó un acuerdo de salida de quiebra que resuelve disputas entre acreedores y abre la posibilidad de una venta, allanando el camino para el cambio. La escultura de Gómez se convierte así en un testimonio importante de un momento precioso: uno durante el cual las heces de la codicia quedaron al descubierto para que todos las vieran.
Sayre Gomez, “Ice Cream Groceries”, 2025, acrílico sobre lienzo, 50 x 72 pulgadas.
(Sayre Gómez / Galería David Kordansky)
Lo que el modelo no puede captar es la forma en que a menudo destacan los graffitis en las torres, como si estuvieran impresos en el cielo de Los Ángeles. Escribir el nombre de uno en medio de las nubes es sin duda una explotación alegre de la progresión detenida de los edificios, reclamando uno de los pocos espacios donde la naturaleza y la ciudad se encuentran de manera confiable. Gómez retoma este tema en sus pinturas fotorrealistas, que a menudo presentan cielos espectaculares yuxtapuestos con señales urbanas en decadencia. “Tienda de comestibles congelados» Representa una tierna y luminosa puesta de sol que sería perfecta para una revista de viajes o un folleto religioso, excepto que está interrumpida por el imponente marco de un cartel roto de una tienda de comestibles. En “Vaccine Flag”, una pancarta vertical se arquea con gracia sobre un suave gradiente de neblina de Los Ángeles, pero la tela de la pancarta está tan hecha jirones y podrida que el anuncio de la vacuna es apenas legible. La pintura es a la vez una hermosa composición y un comentario sobre la erosión de la confianza pública en la ciencia.
Sayre Gomez, “Vaccine Flag”, 2025, acrílico sobre lienzo, 84 x 60 pulgadas.
(Sayre Gómez / Galería David Kordansky)
Estas imágenes provocan una interpretación irónica del título del programa, “Precious Moments”, que hace referencia a una línea de figuras coleccionables, a menudo sobre un tema cristiano que representan niños lindos, en su mayoría blancos, con ojos de cierva y cabezas de gran tamaño. Habitualmente dedicados a actividades inofensivas, presentan versiones idealizadas de la infancia: llenas de dulzura, inocencia y luz estereotipadas. Encaramados en las vigas de una galería hay dos grandes muñecos al estilo de estas figuritas. Al representar a los hijos de Gómez, evocan algo más cercano a la realidad de los padres: niños adorables, sucios, sucios. Como “Oceanwide Plaza» subvierte la fantasía de la miniatura, las muñecas hacen lo mismo con la figura coleccionable, preguntándose qué hace que un momento sea “precioso”.
La exposición también incluye murales con imágenes familiares de la infancia: uno es una ilustración de un gran accidente de tráfico realizada por el autor de libros infantiles Richard Scarry. El cacofónico choque de coches y camiones conducidos por una amplia variedad de animales parece una metáfora de nuestra sociedad irremediablemente polarizada, caótica y despreocupada. ¡Esto es lo que la gente hace todo el día! Mientras que los libros de Scarry presentan estos desastres con colores brillantes y buen humor, Gómez socava esta alegría superponiendo al mural una pintura casi completamente negra de un desolado campamento de tiendas de campaña frente a una casa destruida por el incendio de Eaton. La parte más oscura del caos.
Algunas de las obras más llamativas de la exposición son las pinturas sobre ventanas, que representan al menos tres espacios: lo que hay detrás del cristal, la superficie del cristal marcada con pegatinas o carteles y un reflejo del exterior. Estas imágenes parecen pequeños mundos presionados contra la superficie de cada pintura, similares a las pantallas omnipresentes (teléfonos, televisores, computadoras) que regularmente aplanan nuestra realidad. “Ventana del apartamento» es casi abstracto, intercalando una constelación de pegatinas de dibujos animados despegadas y descoloridas por el sol entre una puesta de sol reflejada y las franjas de las persianas verticales. Es una imagen misteriosa que sugiere el declive de la alegría infantil. “Ventana salediza» es más siniestro, apoyando su puesta de sol y sus alegres pegatinas infantiles con cortinas marrones arrugadas y un revoltijo de frascos de pastillas. Las duras realidades (en este caso, la enfermedad y la adicción) no suelen permanecer detrás de la cortina.
Sayre Gómez, “Vértigo”, 2025, acrílico sobre lienzo, 96 x 144 pulgadas.
(Sayre Gómez / Galería David Kordansky)
Me decepcionó un poco saber que las pinturas de Gómez no se basan en descubrimientos espontáneos sino en composiciones de fotografías que tomó alrededor de la ciudad. Las imágenes están compuestas deliberadamente, pero ¿por qué pintarlas? ¿Por qué no hacer impresiones grandes de collages digitales y dar por terminado el día? Gómez dejó al menos una pista. En el cuadro “Vértigo”, la imagen de un coche en el que claramente vive alguien aparece frente a un edificio coronado por un gran anuncio que representa a una mujer sexy reclinada. Al mirar más de cerca, vi un delgado contorno negro entre el auto y el edificio, una porción del fondo original del auto. Al incluir este artefacto de su proceso digital, Gómez reconoce que el tema de la pintura no es la realidad vivida en las calles de la ciudad, sino una propuesta construida. Al transformar tales proposiciones en pinturas, convierte imágenes digitales resbaladizas en algo duradero y tangible. Sus preciosos momentos no son recuerdos de un pasado idealizado, ni proyecciones de un sueño tentador, sino intervenciones en nuestro complejo presente que revelan capas de belleza e inquietud.
