“Evacuamos el 7 de enero y nunca regresamos”, me dice la artista Teresa Baker cuando nos conectamos para hablar sobre el trabajo que realizó para la Bienal Whitney de este año, que se encuentra entre las exposiciones de arte estadounidense contemporáneo más influyentes en el país.
Organizada cada dos años por el Museo Whitney de Arte Americano de Nueva York, la bienal de este año presenta a 56 artistas y colectivos, aproximadamente uno de cada seis de los cuales ha vivido y trabajado en Los Ángeles desde la última versión de la encuesta. La destrucción masiva provocada por los incendios de Los Ángeles en enero pasado hizo que este intervalo estuviera lejos de ser una rutina y, al igual que Baker, muchos artistas participantes dedicaron tiempo a recuperarse o reconstruirse.
Baker, su esposo y sus tres hijos pequeños, todos menores de cinco años, se mudaron cinco veces el año pasado. Primero en San Diego, luego en San Francisco y Nueva York, y finalmente dos veces en Montana, un estado que Baker conoce desde la infancia.
La herencia nativa y alemana de Baker se refleja en sus tres grandes collages abstractos, creados con césped artificial al que se le da vida con pintura acrílica, hilo y una variedad de materiales naturales, como hojas de maíz, sauce, piel de bisonte y piel de ante. Son innegablemente pictóricos. Las piezas, dice Baker, se hicieron “en una época tumultuosa, una época de transición”.
Vista de instalación de la Bienal de Whitney 2026. De izquierda a derecha: Teresa Baker, “To the Morning Light”, 2025; Teresa Baker, “La cosecha que se derrite en nuestra lengua”, 2025; Teresa Baker, “Día voluminoso”, 2025.
(Darian DiCianno/BFA.com)
La gloria del mundo natural, “los gestos grandiosos y grandiosos” del paisaje de Montana, han dado forma al arte de Baker desde su fuga de Los Ángeles. Después de trabajar en el estudio de su nueva casa, Baker dice que se maravilla ante la belleza del atardecer (la profundidad del naranja y el azul) mientras conduce para recoger a sus hijos de la escuela.
“Creo que lo que estoy experimentando ahora mismo, y tal vez de lo que soy especialmente consciente debido a la intensidad del año pasado, es asombro”, dice. “Es muy simple, pero creo que eso es lo que me da este paisaje, un asombro constante en medio de un mundo realmente deprimente y un año difícil para la familia”.
Dejar Los Ángeles fue difícil, especialmente por el apoyo de la comunidad artística que cultivó, pero “con todas las incógnitas científicas posteriores al incendio”, dice Baker, “tomamos la decisión de irnos por la seguridad de nuestros hijos pequeños”.
Al regresar a Montana, Baker se unió a otra artista de Los Ángeles, Andrea Fraser. Fraser nació en Montana y dice que se considera una “persona occidental”, aunque vivió en Nueva York durante 25 años.
“Es muy diferente de la cultura de la costa este, que tiene mucha más influencia europea y es mucho más intelectual”, dice Fraser.
Andrea Fraser, Sin título “(Objeto) IV”, 2024 (detalle). Marcos de cera microcristalina, aluminio y acero, 5 7/8 × 35 3/8 × 15 3/4 pulg. (14,9 × 89,9 × 40 cm). Colección del artista. © Andrea Fraser. Cortesía del artista, Marian Goodman Gallery y Nagel Draxler Gallery.
(Rebeca Fanuele)
Fraser se encuentra entre los participantes más experimentados de esta bienal, ya que también participó en 1993 y 2012. Su contribución (cinco esculturas de cera microcristalina de niños pequeños dormidos) aparece junto a tres pinturas de los años 60 de su madre, Carmen de Monteflores, que ahora tiene 92 años.
Al reflexionar sobre su regreso a la escultura después de varias décadas como artista conceptual y de performance aclamada, Fraser señala que los artistas de Los Ángeles en la bienal de este año están unidos por la intersección del arte conceptual y la artesanía.
“Al menos una vez al año voy a los estudios de cerámica de UCLA y tiro una docena de vasijas”, dice, y señala que es un proceso en el que es bastante buena.
“Mi garaje fue una especie de taller de carpintería durante un tiempo. Hice mi escritorio, hice el escritorio, el armario y los estantes de mi pareja. Hice mucho de eso, pero luego convertí mi garaje en un gimnasio en casa, un tipo diferente de escultura”, dice riendo. “Muy Los Ángeles”.
Vista de instalación de la Bienal del Whitney 2026. Hyundai Terrace Commission Kelly Akashi 2026. “Monumento (Altadena)”.
(Timothy Schenck)
Otra artista radicada en Los Ángeles, Kelly Akashi, que perdió su casa y su estudio en Altadena, erigió un “Monumento (Altadena),» una chimenea de cristal en la terraza al aire libre del Whitney. Inspirado en la versión física dejada en el lugar de su antigua casa, se erige como un ícono solemne, haciéndose eco de cientos de otros sobrevivientes delgados que aún salpican las cicatrices de las quemaduras en el área de Los Ángeles, así como los numerosos rascacielos de Manhattan que ahora lo enmarcan.
La chimenea, dice Akashi, es “una especie de objeto inquietante. Sólo funciona con una casa”. Una vez que se crea una chimenea independiente, “siempre indica esa ausencia”.
El escultor Sula Bermúdez-Silverman, que, como Akashi, trabaja a menudo con vidrio, también pensó en su casa en relación con las pérdidas causadas por los incendios de Los Ángeles.
El catálogo bienal presenta a Bermúdez-Silverman en conversación con su padre, el psicoanalista George Bermúdez, y Bermúdez-Silverman dice que el incendio de Eaton en Altadena “fue un gran catalizador para repensar mi propia relación con las cosas materiales, y también sobre el impacto más amplio del consumo, que me llevó a vivir de manera más mínima”.
Ali Eyal, un artista nacido en Irak y radicado en Los Ángeles, se encuentra en su estudio, frente a su obra. Eyal es parte de la Bienal Whitney de este año en Nueva York, una exposición que presenta a muchos artistas que han vivido y trabajado en Los Ángeles.
(Carlin Stiehl / Por tiempo)
El pintor iraquí afincado en Los Ángeles, Ali Eyal, que abandonó su país natal en 2017, experimentó los incendios a través del prisma de su tumultuosa juventud. “Cuando vi ese humo negro, me recordó los días de la guerra, parecía una zona de guerra”, dijo.
“Los Ángeles me recuerda a mi infancia. No sé por qué”, reflexiona Eyal, añadiendo que la luz del sol es uno de los rasgos más palpables, que evoca recuerdos difíciles, pero también afirma el placer del presente.
Vista de instalación de la Bienal de Whitney 2026. Ali Eyal, “Mira adónde te llevé”, 2026.
(Jason Lowrie/BFA.com)
“El atardecer es un momento difícil para mí, debido a toda la violencia que me sucedió durante el atardecer”, explicó Eyal. “Pero en Los Ángeles, el atardecer es diferente, el morado, el naranja, todos esos colores juntos”.
Si bien este mismo sol siempre saldrá por Oriente y se pondrá por Occidente, el trabajo de estos artistas afirma que cada nuevo día es nuestro, sin importar los dolores que nos aguarden.
