Dejando a un lado el siniestro título, uno podría razonablemente comenzar a ver “The Plague” de Charlie Polinger y asumir que es un drama sobre la mayoría de edad: un “The Four Hundred Moves” moderno o un “Welcome to Dollhouse” dirigido por hombres sobre un grupo de adolescentes que pasan el verano en un campamento de waterpolo como fiesta de pijamas. Sin embargo, a medida que avanza la película, no sólo su narrativa se vuelve cada vez más siniestra, sino que la apariencia de la película sutilmente aleja al público de una vívida seguridad y lo lleva a los reinos psicológicos más oscuros de la adolescencia temprana.
Debido al escenario del campamento de waterpolo de la película, gran parte de ella tiene lugar dentro y alrededor de una piscina cubierta. Cualquiera que haya estado en un YMCA temprano en la mañana conoce la fuerte fluorescencia de estos ambientes. Como resultado, los dos primeros actos de la película están brillantemente iluminados, pareciendo casi esterilizados por momentos.
En la primera toma, la cámara está completamente sumergida en la piscina, presentando la primera de muchas tomas bajo el agua cuando los niños saltan al agua, agitando las piernas e interrumpiendo la calma acuática. Aunque el azul de la piscina lavado con cloro es inconfundible, el director de fotografía Steven Breckon dice que él y Polinger estaban tratando de evitar tomas cliché bajo el agua. “La clásica fotografía submarina es un anuncio de perfume con una mujer vestida con cortinas onduladas y sobre ella como un rayo de luz divina”, dice Breckon. Variedad. “Esto está lejos de lo que queríamos que pareciera este material y en realidad nos inspiramos en un enfoque más profundo, como una pintura”.
Para realizar las tomas bajo el agua, explica Breckon, el camarógrafo estaba debajo de la superficie y recibía instrucciones a través de parlantes. “Básicamente podía hablar con él a través de un altavoz megáfono gigante colocado bajo el agua, por lo que eran como instrucciones confusas y él simplemente asentía con la cabeza ‘sí’ o decía ‘no’ a la cámara para confirmar que me había escuchado”.
Aunque la cámara se vuelve menos estática, dando vueltas alrededor de los niños que caminan sobre el agua, moviéndose hacia arriba y hacia abajo con una apariencia de aleatoriedad, Breckon dice que fue orquestada con más cuidado de lo que parece. Dice que la cámara estaba “en una plataforma de flotación que puedes desinflar al nivel perfecto donde está medio adentro y medio afuera. Y empujarla a través de la superficie a través de estos niños y dejar que ocurran todas las salpicaduras, tiene una energía muy caótica”, sin embargo, “fue muy esquemático. Realmente no había mucho que encontrar en ese momento porque simplemente teníamos que estar muy seguros con los niños. Ya sabes, teníamos salvavidas en cada rincón del encuadre”.
El aspecto portátil de la secuencia se complementa con su sonido y partitura, que entran y salen sincrónicamente cada vez que la cámara baja y reaparece. “Estoy bastante seguro de que la atenuación del sonido de la música la hicieron Damien (Volpe) y Dave (Paterson) en el departamento de sonido. Pero yo estuve allí. Participé en esas sesiones”, dice el compositor Johan Lenox. Variedad.
Si bien la cinematografía cambia lentamente del brillo engañoso de un bildungsroman a la oscuridad de una película de terror a lo largo del tiempo de ejecución, la música es consistentemente inquietante desde el principio, indicando a la audiencia que no todo está bien para este grupo de niños. “La música da miedo, pero también es increíblemente extraña”, dice Lenox. “Queríamos avisar desde el principio de que iba a suceder algo muy, muy loco”.
La espeluznante energía se ve acentuada por las cualidades surrealistas, a veces liminales, de la música. “Simplemente me escuchas gemir frente a este micrófono”, continúa Lenox, señalando que si bien la música es inquietante en todo momento, hay escaladas sutiles a medida que avanza la película. “No creo que haya ningún instrumento de cuerda en el primer tercio o mitad de la película. Y luego estos sonidos granulosos y ruidosos de los instrumentos de cuerda comienzan a filtrarse por encima de las voces y eventualmente las anulan cuando la diversión se detiene”, dice Lenox. “Y luego también están esos sonidos tensos y animados de drones que atraviesan estos pasillos y cosas así. Creo que hay uno más corto al comienzo de la película, y luego hay uno de tres o cuatro minutos al final”.
La imagen y el sonido de “La plaga” presentan rupturas obvias con su molde siniestro. En particular, cuando los niños se escapan por la noche en medio de la película, una toma larga en cámara en mano los muestra de fiesta en un callejón.
“Esta es probablemente la escena que representa la versión más extrema de lo que describo como ‘la caja de arena'”, dice Breckon. “Hay líneas generales que han sido muy organizadas y trazadas, pero dentro de eso es simplemente un caos, dejándolos ir por todos lados. En términos del enfoque real, hice lo mejor que pude para involucrarnos en una zona de más de 180 grados, pensando que íbamos a dar la vuelta e ir al otro lado, pero los niños estaban dando vueltas en círculos y haciendo de todo, por lo que muy rápidamente se convirtió en una zona de 360 grados y esto planteó algunos desafíos como director de fotografía, ¿quieres? todos debían estar a contraluz, y no quieres momentos de demasiada luz frontal, así que estaba tratando de seguir esta escena mientras sucedía frente a nosotros, pero no había ninguna versión mía diciendo: “Whoa, whoa, whoa”.
La escena llega a un crescendo cuando uno de los chicos inserta un CD en un estéreo y suena una canción pop italiana. Aunque la canción podría confundirse fácilmente con una caída de aguja oscura pero apropiada, sigue siendo una pieza original compuesta por Lenox para la película. “Joder, escribamos lo nuestro. Como, ¿por qué no?” reflexiona Lenox, apreciando que “el mundo sonoro de la película es en un 90% una cosa y luego aparece otra cosa. Eso es intencional. No podría ser más opuesto a todo lo demás. Realmente me encanta como estructura y forma”.
La canción se llama “Corsa Notturna” y cuenta con la voz italiana de un niño. Es una de las únicas voces de la banda sonora que no pertenece al propio Lenox. La canción regresa una vez más al final de la película, en una secuencia de baile que una vez más muestra técnicas de cámara innovadoras.
Mientras el personaje principal baila libremente, giramos con él hasta que se produce un efecto único y parece como si el giro continuara mientras se interpone sin problemas entre el niño y su potencial hilandero. Breckon explica, sin embargo, que el disparo no fue cortado en absoluto. El equipo creó un espejo giratorio de seis lados en el que el actor estaba estacionario, lo que le permitía aparecer intermitentemente en el plano inverso mientras mantenía el movimiento circular hacia afuera.
“A medida que se convierte en parte de la imagen, y la imagen cambia de personas que lo miran a él solo, en realidad se ralentiza. Ya no gira y comienza a evaluar la situación en el momento, pero eso contrasta con el hecho de que este espejo gira cada vez más rápido”, explica Breckon. Es un efecto fascinante que cierra la película, resumiendo efectivamente el vertiginoso enfoque de la historia hacia la autoaceptación.
Las influencias de “La Peste” son múltiples. Entre Breckon y Lenox, mencionan inspirarse en “Raw”, “Carrie” y “The Shining”, pero también en “Full Metal Jacket”, “8 ½”, “The Dark Knight” y “Superbad” para dar forma a la apariencia y el sonido. El resultado es algo completamente único: una película de terror sobre la mayoría de edad que explora la visceralidad social, psicológica y física del crecimiento.
“La plaga” debutó en el Festival de Cine de Cannes en mayo. IFC adquirió sus derechos de distribución en agosto y estrenará la película en cines el 24 de diciembre.
