La directora libanesa Sarah Francis llevó su devastador drama matrimonial “Dead Dog” a la competencia Arab Cinema Horizons del Festival de Cine de El Cairo, donde la película ganó el premio Saad Eldin Wahba a la mejor película árabe. Cuando nos reunimos con Francisco antes de la ceremonia de clausura, el impacto de la película, anclado en las actuaciones íntimas de Chirine Karameh y Nida Wakim, ya resonaba durante todo el festival.
Para Karameh, que había estado alejada de la actuación durante años, el proyecto se convirtió en un inesperado regreso artístico. Luego ganó el premio a la Mejor Actriz en los Next Generation Awards, presentados durante la ceremonia de clausura de los Cairo Industry Days.
Karameh contó a Variety cómo la visión de Francis la devolvió a la profesión que creía haber dejado atrás: “En el fondo, siempre había un lugar tranquilo que me decía que algo todavía me estaba esperando. Cuando supe que el proyecto era con Sarah, algo cambió inmediatamente”.
“Dead Dog” fue producida por Lara Abou Saifan y el equipo de Placeless Films, cuya participación temprana, dijo Francis, ayudó a construir el mundo emocional minimalista de la película. Las ventas de la película en el mundo árabe están a cargo de MAD Distribution, mientras que MAD World supervisa su distribución mundial. Se estrenó en el Festival Internacional de Cine de Rotterdam antes de viajar a São Paulo, Sarajevo y El Cairo.
A continuación, Francis habla con Variety sobre cómo construyó el frágil terreno emocional de la película, cómo pasó del trabajo híbrido a la ficción y el proceso de colaboración detrás de “Dead Dog”.
Provienes de una formación híbrida y documental. ¿Cómo empezó “Dead Dog” y por qué contarla como ficción?
Rara vez sé cómo comienza una idea. A veces es una imagen, a veces es una escena. Con esta película, todo empezó con el encuentro de dos personas que se conocen bien en una especie de espacio de transición, un momento temporal. Quería explorar malentendidos o faltas de comunicación entre ellos y, siguiendo ese hilo, se desarrolló la historia de Aida y Walid.
Se encuentran durante cuatro días en una casa de montaña heredada de sus padres, un lugar donde realmente no viven, casi medio abandonado. Quería trabajar con elementos mínimos: dos personas, un lugar, un período de tiempo específico. Y al mismo tiempo, ciertos objetos, como una fotografía, una carta, abren ventanas a otros momentos de su relación. Se vuelve como una constelación de momentos vinculados.
¿Qué te ha permitido explorar el paso de las formas híbridas a la ficción que no podías explorar antes?
Con la ficción, de repente hay que construir toda una arquitectura: vestuario, elección de cámaras, listas de tomas y tantas cuestiones prácticas. Algunas cosas estaban muy claras en mi mente y otras eran completamente nuevas. Trabajar con actores también fue un desafío pero muy interesante.
Incluso con toda esta preparación, todavía nos enfrentamos a la realidad del momento: qué traen los actores, cómo se siente la escena ese día e incluso el clima. En cierto modo, vuelve a parecer un documental. Miras lo que sucede frente a ti, sientes lo que es importante, decides qué puedes dejar ir y sigues el hilo que se presenta.
La emigración marca la distancia entre Aïda y Walid. ¿Por qué elegiste anclar la historia en esta realidad libanesa específica?
No fue algo con lo que comencé, pero a medida que desarrollé los personajes, me quedó claro que Walid sería parte de esta realidad. La emigración ha sido común en el Líbano durante más de un siglo, incluso antes de la guerra civil, durante ella y después de cada crisis, y hoy la diáspora supera en número a la población del país. A menudo el hombre se va solo y sólo regresa ocasionalmente.
Walid es, por tanto, alguien que no está completamente anclado en ninguna parte. No está establecido en el extranjero, pero tampoco puede regresar fácilmente porque no sabe adónde regresará. Mientras tanto, Aida vive sola las dificultades del Líbano, mientras cría a su hija, gestiona su vida diaria y soporta la constante inestabilidad. Naturalmente, cada uno de ellos lleva consigo decepciones y expectativas que nunca fueron cumplidas.
Pero lo que realmente me interesó no fue la emigración como tema sino el espacio emocional que crea. Ambos están viviendo un momento de transición, buscando un centro para su relación y para ellos mismos. Nada parece escrito en piedra, ni los sentimientos, ni las decisiones, ni siquiera el sentimiento de seguridad que alguna vez prometió su matrimonio. Esta incertidumbre se convirtió en el corazón de la película.
La relación entre Aida y Walid parece íntima pero fracturada. ¿Cómo abordaste el trabajo con los actores para construir esta emotiva historia?
Ambos actores viven en el extranjero y por eso llegaron unas semanas antes del rodaje para los ensayos. Este momento fue esencial. No nos limitamos a repasar el guión, hablamos mucho sobre quiénes eran estas dos personas antes de que comenzara la película, definiendo por qué se casaron por primera vez, qué esperaba cada uno de ellos, qué los decepcionó y qué se llevaban en ese momento. Juntos construimos una especie de historia común, y al mismo tiempo cada actor también desarrolló su propia historia privada. Creo que esta combinación dio a los personajes una vida interior más rica.
También hubo momentos en que sus verdaderas opiniones sobre ciertas cosas, especialmente con respecto a los roles o expectativas de género, no coincidían. A veces tenían puntos de vista diferentes en la vida real, al igual que sus personajes. Esta dinámica fluyó naturalmente en sus escenas e hizo que la tensión entre Aida y Walid pareciera muy real.
Cuando comenzamos a filmar, cada actor había formado una “verdad” muy específica sobre su personaje. Estas verdades no siempre encajaban perfectamente en un momento dado, lo que en realidad fue muy útil. La fricción, los malentendidos, la ternura, todo procedía de las perspectivas que habían interiorizado plenamente. Las actuaciones se sintieron naturales porque actuaban desde un lugar que habían construido y en el que creían.
El silencio juega un papel importante en la película, tanto emocional como estructuralmente. ¿Cómo decidiste cuándo era necesario el diálogo y cuándo el silencio podía decir más?
El guión originalmente tenía más diálogo, pero durante los ensayos y el rodaje siempre recorríamos escenas enteras desde el principio, incluso si solo necesitábamos ajustar una línea. Los actores adoptaron un ritmo juntos y a menudo nos dimos cuenta de que la escena ya estaba clara a través de su apariencia, su lenguaje corporal o su forma de moverse en el espacio.
El sonido y la música también fueron esenciales. Con Victor Bresse, el diseñador de sonido, trabajamos para crear un universo mínimo pero impactante en torno a los personajes. Y con la música original de Rabih Gebeile, sentí que añadió una capa complementaria, sin repetir las emociones de la película, sino contando la historia en otro tono, casi como un narrador con su propia voz.
El Cairo es una plataforma importante para los cineastas árabes. ¿Qué significó para usted proyectar “Dead Dog” como parte de la competencia Arab Cinema Horizons y qué esperaba que el público regional se llevara de ello?
Todos estábamos muy emocionados de estar en El Cairo con esta película porque El Cairo es verdaderamente un centro cinematográfico y tiene una historia muy rica. Chirine (Aida), Lara (productora), mi familia y muchos de nosotros crecimos viendo películas egipcias. Estar aquí fue como entrar en un espacio que pertenece a tantas personas en el mundo árabe. Y para nosotros era importante que el festival tuviera un público real.
Después de la proyección, una mujer egipcia se me acercó y me dijo que con todo lo que estaba sucediendo en la región, gran parte de nuestro cine se había centrado en el desastre, lo cual es comprensible y necesario. Pero ver “Dead Dog” le dio una sensación de alivio, porque sintió: “Yo también existo”. Agradeció ver una historia corta sobre seres humanos y cuestiones íntimas y existenciales.
Significó mucho para mí. Creo que las historias cotidianas también merecen espacio. Las personas viven, aman, se separan y se cuestionan incluso en tiempos difíciles. No creo que cada película deba representar el trauma de una nación entera. Estas historias tranquilas también importan.
La película recibió un apoyo clave del Doha Film Institute, Red Sea Film Fund y otros. ¿Qué aportó este apoyo al proyecto?
Doha fue el primer financiador, también apoyaron mi primera película y esa confianza significó mucho. Empezar una película en el Líbano es extremadamente difícil dada la crisis económica y la falta de una infraestructura industrial sólida. Red Sea nos apoyó en la postproducción exactamente cuando lo necesitábamos para completar la película.
También me sentí parte de una comunidad cinematográfica regional en lugar de estar aislado. Y nada de esto hubiera sido posible sin Placeless Films. Lara Abou Saifan y el equipo de producción confiaron en el guión desde el principio. Nunca tuvimos que luchar por la visión. Casualmente, también nos convertimos en un equipo de producción y dirección exclusivamente femenino, lo que creó una asociación muy cálida y colaborativa.
