Daniel Lopatin, el músico y compositor de cine más conocido como Oneohtrix Point Never, tiene una historia de origen, que parece ligeramente divertido recordar con tanto detalle.
La historia tiene lugar en un suburbio de Boston a mediados de la década de 1980, cuando su padre, un inmigrante judío ruso en apuros que actuaba en clubes nocturnos (entre otros trabajos), necesitaba comprar un sintetizador. Un amigo baterista encontró uno con descuento: un Roland Juno-60, el mismo modelo que se escucha en el animado “Take on Me” de a-ha.
El padre de Lopatin tenía en mente algo más pragmático. Creó una correa de transporte improvisada con cinturones y guardó el teclado en la caja original en el sótano entre conciertos.
“Básicamente lo usó para lo que imaginas: estas pequeñas canciones rusas, los sonidos de acordeón y órgano y todo ese tipo de cosas”, dice Lopatin, de 43 años, vía Zoom desde Electric Lady Studios, la legendaria casa de grabación en Greenwich Village de Nueva York.
“Y, por supuesto, era simplemente un objeto de fascinación para mí porque iba allí y era un artilugio. Era un artilugio con luces y palancas. Y luego, un poco más tarde, pasa de ser un puro objeto de encantamiento a: Oh, puedo hacer sonidos espaciales locos con esto.
Desde entonces, Lopatin ha evolucionado a partir de sonidos espaciales locos (no mucho, afortunadamente, ni su entusiasmo infantil) a lo largo de dos décadas de lanzamientos aclamados, primero en casetes y CD de producción propia, luego para un sello importante, Warp, colaborando con The Weeknd, Iggy Pop y David Byrne en el camino. Sus hirvientes creaciones de sintetizadores se han asociado con tantos microgéneros, incluido el pop hipnagógico, el vaporwave y el saqueo, que ha llegado a inventar algunos propios, como sus “eccojams” ralentizados y adyacentes a mantras.
Timothée Chalamet en la película “Marty Suprême”.
(A24)
Una nueva frontera para Lopatin fue la composición cinematográfica, principalmente para los hermanos Safdie, Josh y Benny. Esos estallidos maníacos de euforia de acordes importantes en sus hiperventilantes películas policiales “Good Time” y “Uncut Gems” son de Lopatin. En cines el 25 de diciembre, “Marty Supreme”, lo último, robusto y confiado del director Josh Safdie (solo), es un avance conceptual para el compositor: una explosión vanguardista de color y emoción que rivaliza con el virtuoso del ping-pong de Timothée Chalamet por el estatus de personaje principal.
“Sonaban como música o composiciones para películas que no existían”, dice Safdie, de 41 años, en una videollamada desde Nueva York sobre los álbumes de Lopatin, que, según él, cambiaron su percepción de cómo podría funcionar la música de cine. “Parecía que su música tenía cosas que decir. Tenía filosofías detrás”.
La nostalgia juega un papel importante en lo que hace Lopatin: el amor por los sonidos electrónicos tranquilos, las campanillas y los drones que provocan una comodidad inexplicable. (Es un millennial mayor, más parecido a un Xennial). Una hermana que amaba a Duran Duran lo ayudó, al igual que los casetes de jazz fusión de su padre. Creció en medio de una década de magos de los sintetizadores: Jan Hammer en la televisión todas las semanas con “Miami Vice”, Vangelis y Giorgio Moroder ganando premios Oscar.
Pero Lopatin no duda en llevar nuestra conversación a un nivel más profundo, invocando la idea fantasmal –originalmente formulada por Jacques Derrida– de “hauntology” y basura cultural remezcladas en tesoros.
“Existe una rica y vasta tradición de recuperar cosas feas, recuperarlas, embellecerlas otra vez y rescatarlas de la basura”, dice. “Creo que se trata en gran medida de observar el entorno, incluidas las cosas que se supone que están ahí de forma rápida y barata y luego desaparecen, y ser el tipo de persona para quien esas cosas de cola larga son realmente fascinantes. Siempre me ha atraído eso”.
“No tengo música hasta que estoy realmente en contacto con la esencia de la película, poéticamente, y luego con el marco de la música”, explica Lopatin. “Todas las decisiones que tomo tienen que estar de acuerdo con el alma de la película. Y si no la tengo, no tengo música”.
(Doscher holandés / para The Times)
En el caso de “Marty Supreme”, ambientada a principios de la década de 1950, eso significa un uso radical del electro: ritmos secuenciados, arpas chispeantes y voces corales procesadas. Esto es muy similar a “Carros de fuego” de Lopatin. Algunos momentos funcionarían perfectamente como clímax de una película de Rocky (“Jugamos duro con Bill Conti por un tiempo, luego nos echamos atrás”, dice). Otros tienen la ternura expresiva de una fantasía de Tangerine Dream como “Risky Business”.
Para Safdie, este proceso implica llegar a un lugar vulnerable con su compositor, entregarse a los sentimientos lo mejor que pueda. Me da una probada.
“Diré: ‘La sensación de esta habitación es estimulante, es cósmica. Estás entrando en un mundo; básicamente estás en una nave espacial y vas a un lugar nuevo, pero este lugar es hermoso y está lleno de vida'”, dice, sonriendo. “Esas son las cosas de las que hablamos. Y Dan es realmente bueno interpretando sentimientos a través de la melodía. Es una especie de maestro de la melodía”.
Inicialmente, el propio Lopatin no se dio cuenta de esto. Consideró un enfoque más tradicional en la escuela de cine.
“Quería ir a Tisch (en la Universidad de Nueva York) y hacer el programa de dramaturgia y convertirme en guionista”, recuerda. “Hice todo tipo de pequeñas películas locas y las monté en dos máquinas VHS e hice todo eso. Y no sé qué tan bueno era en ese tipo de cosas. Realmente debería haberme centrado en la música desde el principio, pero no quería. Estaba aburrido”.
Un programa de posgrado en estudios de archivos en Pratt lo ayudó a concentrarse y al mismo tiempo le presentó la interminable historia de los datos sonoros y la catalogación. Puede que sea el único director musical de una banda de medio tiempo del Super Bowl (para el Weeknd en 2021) que originalmente quería ser bibliotecario.
Mientras Lopatin leía el guión de “Marty Supreme”, en un vuelo a Los Ángeles en 2023, él y Safdie se enviaban mensajes de texto en un atajo cargado de emojis que desarrollaron durante años de cercanía. “Compré Wi-Fi por 10 dólares”, bromea. “Le dije: ‘La película es el nacimiento de cosas, el nacimiento de una idea, el nacimiento de un escándalo, pero también el nacimiento de una raquetacomo una estampida. Dos tipos diferentes de raquetas.
“Parecía que su música tenía cosas que decir”, dice el director Josh Safdie sobre los lanzamientos de Lopatin. “Había filosofías detrás de esto”.
(Doscher holandés / para The Times)
Lopatin considera esencial este tipo de toque creativo. “Es como si estuviéramos hablando con tonos y gestos extraños, lo que lo hace poético”, dice. “No tengo partitura hasta que estoy realmente en contacto con la esencia de la película, poéticamente, y luego con el marco de la partitura. Todas las decisiones que tomo tienen que estar de acuerdo con el alma de la película. Y si no tengo eso, no tengo partitura”.
La música fue influenciada por una enorme lista de reproducción de Spotify, seleccionada por Safdie a lo largo de los años. “Creo que se llamaba ‘Score Supreme'”, recordó Lopatin. “Tantas piezas musicales, un enorme mundo de sonido en el que estaba trabajando, y nunca lo presioné porque no pensé que lo supiera todavía”. Las pistas incluían de todo, desde New Order, Tears for Fears y “I Have the Touch” hasta el sonido robótico de Peter Gabriel, Fats Domino y material New Age de gente como Constance Demby.
“Creo que eso es lo que hace que la película sea tan divertida, porque estamos realmente abiertos a la idea de que el tiempo es un poco maleable, un poco gelatinoso”, dice Lopatin. “Y no creo que lo supiéramos realmente hasta que estábamos en la mitad de este proceso. Dios mío, la partitura está viva, gira y hace cosas”.
Según Safdie, darle forma a la música requirió 10 semanas de trabajo diario, un compromiso inusualmente largo para un director con otras tareas de posproducción y una familia joven. Insistió en alquilar un pequeño estudio en Manhattan, donde ambos podrían refugiarse, colgar carteles en busca de inspiración y probar sonidos durante horas. Suena como lo contrario de un retiro de hombres, lo que da como resultado un paisaje sonoro.
“Ese es el tipo de persona que es Josh”, dijo Lopatin. “Le gusta mucho estar en la mezcla en todos los aspectos de la película, en todos los departamentos, pero especialmente en la música. Para él, es casi espiritual. Estamos preparando esto para despegar y es un momento muy especial para él. No podía privarlo de eso. Básicamente, me estaba quedando en la casa de mi novia en Queens y estábamos trabajando en una sala de edición de 7×8 en el centro. Sarah, su esposa, también estaba embarazada y dio a luz durante la creación de la música.
Es un proceso que han estado haciendo desde “Good Time”, cuando estaba en el loft de una fábrica que desde entonces se quemó, una con ratas y sin ventanas. “Había un tipo grabando. Creo que tal vez incluso estaba grabando nuestras sesiones desde afuera”. dijo el director. “No había aislamiento y fue intenso”.
¿Qué hacen exactamente? Experimente con mezclas, considere cientos de muestras de audio, extraiga frecuencias tonales, reúna pistas musicales temporales, escuche y escuche nuevamente. Lopatin necesitaba que lo convencieran, así que Safdie le escribió una carta.
“Recuerdo haber escrito esta larga carta para convencerlo de que lo hiciera y pensé, más que nada, Dan, esto es una excusa para estar con mi mejor amigo”, dice Safdie. “Pasamos dos horas hablando de algo que nos pasó cuando teníamos 15 años, de una chica que nos hizo sentir de cierta manera, y luego llega una crisis de inspiración. Así que tengo suerte de poder estar en esta posición”.
Lopatin recuerda muy bien esta experiencia.
“Hay gente que pasa junto a nosotros todo el tiempo, espiándonos y mirando hacia adentro”, dice. “Habíamos cubierto las paredes con fotografías gigantescas en blanco y negro, fotografías reales de personas que inspiraron a los personajes de la película, fotografías gigantescas de personas en shtetls y estafadores y todo ese tipo de cosas. Y estábamos en este pequeño cubo trabajando en esta cosa”.
“Y al principio realmente pensé: ‘Josh, no lo sé'”, continúa con franqueza el músico. ¿No merecían un poco de consuelo? Este fue un título de prestigio en diciembre para A24 con Chalamet.
“Él dijo: ‘No, tenemos Nunca Me lo merecía”, dijo Lopatin riendo. “‘Siempre empezamos de cero’. Y por supuesto, una vez que tuvimos una partitura y sentimos que teníamos algo de lo que estábamos muy orgullosos, nos mimamos un poco mezclándolo en Electric Lady. Pero hasta entonces es como si no tuvieras nada. Eso es algo realmente importante que Josh me inculca. Debemos estar limitados a un cierto estándar porque nuestro carácter lo está.
El compositor llega a una idea opuesta al aislamiento que se impuso en el estudio. Quizás sea un Daniel Lopatin más feliz. “Siento un cierto nivel de satisfacción, una realización como ser humano, cuando me sorprende y me deleita la visión del mundo de otra persona”, dice. “Me parece mucho más interesante en este momento de mi vida”.
Mantendrá los oídos abiertos para la próxima película. Y cuando esté listo, el Juno-60 de su padre lo estará esperando.
