La “estereofonía” en el Pantages fracasa: críticas

“Stereophonic”, el aclamado drama de David Adjmi que ganó cinco premios Tony, incluido el de mejor obra, está listo para su estreno en Los Ángeles.

La primera producción en gira nacional, que se inauguró el miércoles en el Hollywood Pantages Theatre, parece estar como en casa en la capital mundial de la música. La obra sobre una banda de rock de los años 70 al borde del estrellato está ambientada en estudios de grabación en Sausalito y Los Ángeles, donde el ambiente de Laurel Canyon nunca se pierde de vista.

La nitidez visual de este estreno en Los Ángeles contribuye en gran medida a disipar las dudas de que el Pantages sea el lugar equivocado para este drama coral. Si hay un problema, no es la cueva del teatro. La producción, brillante con detalles de época en un set de David Zinn que nos brinda una visión clara de las salas de control y sonido, habita cómodamente el espacio de actuación, al menos desde la perspectiva de un asiento de orquesta decente.

La obra, que presenta música original del artista ganador del Grammy y ex miembro de Arcade Fire Will Butler, suena tan sólida como cualquiera de los exitosos musicales que se presentan regularmente en el Pantages. Las canciones, machacadas por los músicos a todo volumen, son una recreación de indie rock de Butler para una banda mitad británica, mitad estadounidense que suena tanto a Fleetwood Mac que ensayo traído por un ex ingeniero de sonido y productor del grupo finalmente se resolvió.

Adjmi, como Shakespeare, se inspira donde la encuentra. Y como el bardo, se apropia de sus fuentes, alquimizando el material para nuevos propósitos.

Ambientada en 1976 y 1977, “Stereophonic” ofrece una perspectiva aérea de una banda en una encrucijada. Mientras graban un nuevo álbum cargado de expectativas, el grupo cae presa de conflictos románticos y espirales autodestructivas, celos tóxicos e inseguridades hirvientes. La perspectiva de gloria amplifica patologías que se intensifican con el tiempo.

Diana (Claire DeJean) es la Stevie Nicks del grupo. Bella, dolorosamente vulnerable e inundada de talento lírico, está enredada en una relación con Peter (Denver Milord), el Lindsey Buckingham del grupo, que anhela la perfección musical cueste lo que cueste.

Su conexión es tan gratificante profesionalmente como personalmente destructiva. La ambición de Diana sólo es comparable a su duda. Es sensible al esvengali pero no quiere que nadie le diga cómo escribir sus canciones.

Peter, enojado y competitivo, no puede evitar estar disgustado con la facilidad natural del talento de Diana, a pesar de que fue su canción de su álbum debut la que volvió a poner al grupo en el centro de atención. Su genio es tremendamente exigente, mientras que el de ella parece surgir naturalmente de su alma.

Artísticamente dependen el uno del otro, pero la tensión entre ellos es insoportable. Y como deja claro la obra, no hay manera de mantener su vida personal fuera del estudio.

DeJean y Milord son los intérpretes más cautivadores del conjunto. El otro elenco es sólido, pero esta producción en gira muestra claramente cuán fundamental fue el elenco original para el éxito de la obra.

La producción de Daniel Aukin, que se estrenó en Nueva York en Playwrights Horizons en 2023 antes de trasladarse a Broadway el año siguiente, no ha perdido su ritmo seguro. La narración se presenta con lucidez. Pero las tentadoras idiosincrasias de los personajes se han atenuado.

Son los miembros británicos del grupo los que más sufren. Holly, de Emilie Kouatchou, aleja al personaje de la referencia obvia a Christine McVie, pero su papel se ha vuelto más vago y menos central. Simon, de Cornelius McMoyler, el cansado baterista y manager, llena el proyecto en todos los sentidos excepto en la seriedad, que debe estar en su lugar si la confrontación final del personaje con Peter quiere producir la recompensa necesaria.

Nadie podía competir con Will Brill, quien ganó un Tony por su tensa interpretación de Reg, un inocente trastornado cuyas adicciones y disfunciones crean un caos grotesco para el grupo. Christopher Mowod no puede dotar a este “hombre triste envuelto en una manta”, como Simon llama a su abrigado compañero de banda, con el mismo nivel de locura de cuento de hadas que Brill era capaz de proporcionar de manera entretenida.

No valdría la pena destacar estas diferencias de reparto si no fuera por su impacto en una obra que se destaca por su detalle de observación. Todo es un poco más obvio, incluidos los dos chicos de sonido estadounidenses que soportan la peor parte de los temperamentos artísticos desatados en el estudio.

Grover, interpretado por Jack Barrett, el ingeniero de sonido que mintió sobre sus antecedentes para conseguir el trabajo, soluciona algunas de las asperezas del personaje en una versión más directamente atractiva del personaje que la vigorizante interpretación neoyorquina de Eli Gelb. Charlie, de Steven Lee Johnson, el tonto asistente del ingeniero de sonido, es un bicho raro adorable, aunque extrañé la forma en que Andrew R. Butler lo interpretó casi como un extraterrestre en Nueva York.

La pieza ha sido editada, pero sigue siendo una prueba de resistencia. El arte no es fácil para los personajes ni para nosotros. Pero el esfuerzo no es en vano.

Los diálogos en capas y los silencios profundos de Adjmi, orquestados en un estilo neochejoviano, hacen visible el proceso artístico invisible. Al final de la obra, el tumultuoso drama humano detrás del genio creativo emerge en una gloria conmovedora y trascendente.