El pobre Willy Loman intenta una vez más convencer a sus patéticos hijos de que cuando se trata de ventas, la reputación lo es todo. Tiene razón, por supuesto: la cuarta reposición de Broadway de “La muerte de un viajante” en unos 25 años llena el cavernoso Winter Garden Theatre con reputaciones descomunales, al menos dos de las cuales parecen extrañamente contradictorias.
La mayoría de la gente probablemente sepa que la tragedia de Arthur Miller de 1949 es un drama serio sobre el sueño americano. Y probablemente consideren a Nathan Lane, el protagonista de esta producción, como un jamón certificable de sofisticación poco común, que posa, la mayoría de las veces, con una ceja levantada como si estuviera listo para pronunciar una frase divertida.
Hay momentos, en la grandiosa y discreta producción del director Joe Mantello, ambientada en una especie de purgatorio de garaje, donde la personalidad cómica innata de Lane proyecta sombras resonantes. (La escenografía es de Chloe Lamford; los faros que brillan a través de los tubos de escape del auto son de Jack Knowles.) Willy se queja con su gorda e ingrata esposa, Linda (Laurie Metcalf, confirmando su reputación como MVP de Broadway), de que los compradores en la carretera se burlan de él; uno incluso lo llama camarón.
El viajante de comercio de Miller es aquí una especie de payaso triste que se queda sin gasolina. Pero al igual que el hermoso Chevrolet color burdeos que llega al escenario (un curioso anacronismo entre muchos), Lane no parece un adicto al trabajo golpeado. Sin duda tiene talento y capacidad para desempeñar este papel: tierno, enérgico y conectado con el texto. Pero su bondad natural es difícil de ocultar. Eso funcionó a su favor por su papel ganador del Tony como el monstruoso Roy Cohn en “Angels in America”, pero comprarlo como un hombre al límite de sus fuerzas pone a prueba la imaginación.
Ayuda que la acción tenga lugar en parte en la mente de Willy, mientras lo transportan a la adolescencia de sus ahora descarriados hijos, reflexionando sobre los lugares donde todo salió mal. En el presente, Ben Ahlers (de “The Gilded Age”) es una revelación como Happy, el complaciente convertido en mujeriego cuya suavidad Ahlers templa con un atractivo destello de travesura inocente. Pero se supone que la tensión entre Willy y Biff, el chico de oro fracasado, es la fuerza impulsora del drama y se queda atrás. Biff de Christopher Abbott no parece tan decepcionado de sí mismo y desilusionado con su padre como suele estar en el mar.
Esto puede tener algo que ver con el tratamiento de la masculinidad en la producción. Hay una rareza en la visión de Mantello, incluida una confusión de las asociaciones de género que comienza desde el principio y se irradia a lo largo, lo que finalmente agota el drama de su poder. Los hombres se ablandan o erotizan y su capacidad de amenazar disminuye. Los fans de Ahlers estarán encantados de saber que pasa gran parte del primer acto caminando sin camiseta. Inspirándose en un borrador inicial del guión, las versiones infantiles de Biff y Happy son interpretadas por actores más jóvenes (Joaquin Consuelos y Jake Termine, respectivamente), y el joven Biff aparece con mayor frecuencia con una camiseta de fútbol con la barriga sacada de un catálogo de Abercrombie.
Cuando encontramos a Willy coqueteando en una habitación de motel barato o amenazando a su esposa, simplemente parece codicioso y patético. Lane ofrece poca información sobre el orgullo y el resentimiento beligerante que siente Willy después de fracasar en su propia idea de lo que debería ser un hombre. El momento en el que un Biff adulto casi le levanta la mano a su padre está destinado a ser un giro impactante, pero hay poca evidencia de que Willy gobierne a su familia con mano firme. La elección de actores abiertamente homosexuales (K. Todd Freeman y Michael Benjamin Washington) como el padre y el hijo vecinos con quienes Willy mide su éxito también parece calibrada en torno a una visión moderada de la masculinidad. (Curiosamente, el casting tiene en cuenta la raza; cuando Willy se niega a trabajar para su amigo por principio, parece ser porque es negro).
El ancla de todo es Metcalf, quien es típicamente precisa y desgarradora como Linda, ferozmente leal y oprimida, un recordatorio de lo que está en juego cada vez que está en el escenario, y no solo porque es ella quien hace los cálculos. La desesperación de envejecer frotando dos monedas cobra vida cuando ella está allí, lo cual es esencial para que la montaña rusa de esperanza y derrota de la historia dé sus golpes emocionales. Vale la pena ver el resurgimiento sólo por su desempeño.
La otra reputación que pesa sobre el Winter Garden pertenece al ex megaproductor Scott Rudin, que intenta regresar a Broadway esta temporada después de acusaciones de abuso en el lugar de trabajo provocó una interrupción de varios años. Siguiendo los pasos de una aclamada producción este otoño, también dirigida por Mantello y protagonizada por Metcalf, de la nueva obra “Little Bear Ridge Road” que, sin embargo, cerró temprano, lo que está en juego es aún mayor.
Hay una extraña ironía en una colosal producción comercial que espera cobrar enormes sumas de dinero por el privilegio de ver una crítica al capitalismo. Una vez más, esta acusación puede parecer ahora casi pintoresca. No hace falta, por ejemplo, presentar al joven jefe de Loman (John Drea) como un técnico pomposo (sin calcetines, vestido y sosteniendo una taza de café para llevar) para dejar claro que vivimos a merced de un puñado de ricos irresponsables.
La mayoría de nosotros no necesitamos ese recordatorio.
