El Sundance de este año estuvo marcado por una gran incertidumbre. Personalmente, nunca supe realmente cómo sentirme, ya que las muchas incógnitas sobre el traslado del próximo año a Boulder significaban que no estaba claro hasta qué punto este año se suponía que debía sentirse como el final de algo o el comienzo de un nuevo comienzo. No estaba seguro de cuán triste debía estar, sin embargo, a medida que avanzaba el festival quedó claro que había espacio para reflexiones nostálgicas.
La primera película que vi en Sundance fue la comedia de Andrew Fleming “Hamlet 2” en el Library Center Theatre. Lo que significa que era 2008 y entonces yo era un intrépido autónomo que me convenció de dormir en un sillón reclinable en un apartamento alquilado por el Times hasta que el personal se fue y finalmente tuve el lugar para mí debido a los caprichos de un contrato de alquiler prolongado. Así fue como me encontré, de forma bastante inesperada, en una sala entrevistando a todos los Crosby, Stills, Nash y Young, que estaban en la ciudad para el documental de su gira “CSNY/Déjà Vu”.
Ese sentimiento de sorpresa y descubrimiento (y las interacciones en persona que probablemente no ocurrirían en ningún otro lugar) es lo que me ha traído de regreso al festival cada año que he podido dirigir desde entonces. Precisamente por eso soy un gran admirador de la sección NEXT del festival, formada por películas que no encajan en ningún otro lugar del cartel. Este año, el primer largometraje de Georgia Bernstein, “Enfermera de noche” una película, seguramente, asegurada, sobre una joven (una convincente Cemre Paskoy) que acepta un trabajo en una residencia de ancianos para verse envuelta en una serie de estafas telefónicas, juegos de rol eróticos y transferencias psicosexuales con uno de los clientes. Recomendar la película a colegas se siente un poco como una violación de los derechos humanos, pero las corrientes perversas y las emociones inquietantes valen la pena.
Cemre Paksoy y Bruce McKenzie en la película “Night Nurse”.
(Lidia Nikonova / Instituto Sundance)
Muchas de las conversaciones en torno al festival parecían firmemente centradas en “The Invite” y “Josephine”, pero otra película que la gente seguía mencionando era “Mimbre.” Escrita y dirigida por Eleanor Wilson y Alex Huston Fischer, adaptando un cuento de Ursula Wills-Jones, la película está ambientada en un lugar y tiempo no especificados: una especie de pueblo medieval centroeuropeo, en el que una mujer soltera (Olivia Colman) le pide a un tejedor de cestas local (Peter Dinklage) que la convierta en marido. El hecho de que se parezca a Alexander Skarsgård provoca un alboroto en toda la ciudad. Ágil e inventiva, con efectos especiales convincentes, la película es una parábola encantadora que continuamente encuentra formas de restablecerse.
No está claro exactamente cuánto de esto se planeó, pero no podría haber habido una película mejor que “El único carterista que vive en Nueva York” será el último largometraje de ficción que se estrenará en el Eccles Theatre, una de las salas más prestigiosas del festival. La película, debut como director del actor Noah Segan, es un retrato cálidamente elegíaco de la ciudad y el dolor de reconocer que su tiempo ha pasado. Dirigida por una actuación principal discretamente imponente de John Turturro, la película también cuenta con Steve Buscemi y Giancarlo Esposito en papeles secundarios.
Cuando el trío subió al escenario con Segan y otros miembros del elenco después de la película, rápidamente se hizo evidente lo especial que era tener a estos tres actores allí en ese momento. Buscemi reveló una asombrosa cantidad de películas en las que apareció con “Nueva York” en el título – “Historias de Nueva York”, “Esclavos de Nueva York”, “Rey de Nueva York” – mientras Turturro habló conmovedoramente sobre su relación con Robert Redford, cuya ausencia pesó mucho en todo el festival.
John Turturro en la película “El único carterista vivo en Nueva York”.
(MRC II Distribution Co. LP / Instituto Sundance)
Cuando Esposito comenzó a hablar sobre lo que Sundance ha significado para él a lo largo de los años, sus palabras adquirieron un impulso feroz. Recuerda que cuando vino por primera vez al festival en los años 90, estaba “extasiado porque daba voz a aquellos que no la tenían… No vinimos a vender una película a un gran estudio. Vinimos a compartir nuestra pequeña película con seres humanos que realmente podían verse en un espejo en la pantalla”.
De Redford, añadió: “Su visión no tiene precio. Es la joya que todos esperamos. Es la razón por la que vivimos. Es el vínculo que hace que esta película funcione. Es el amor por lo que hacemos. Para mí, eso permanecerá conmigo por el resto de mi vida. Mis interacciones con este hombre que inició este festival siempre serán un faro de luz en mi proceso creativo”.
Fue una manera hermosa e inspiradora de dejar este teatro por última vez y, a su vez, dejar Park City hacia un futuro que, si bien está lleno de incógnitas, por ahora también deparará nuevos descubrimientos por venir.
