IHan pasado 25 años desde que Gorillaz lanzó su álbum debut homónimo. Un proyecto que razonablemente podría haber sido visto como una broma puntual de una estrella del pop británico ha durado un cuarto de siglo, tiempo suficiente para hacer que el concepto de “banda virtual” de Damon Albarn y Jamie Hewlett parezca menos una broma sarcástica a expensas del pop fabricado que algo extrañamente banal: su último álbum se lanza en un mundo donde los grupos de dibujos animados de K-pop Huntr/x y Saja Boys han completado colectivamente 100 semanas y cuentan con el Reino Unido. singles, donde el anime “vocaloid” Hatsune Miku se presenta en el O2 Arena y el famoso productor Timbaland lanzó un cantante generado por IA llamado Tata Taktumi. Mientras tanto, la obra de Gorillaz abarca nueve álbumes, con alrededor de 100 artistas invitados; son el hilo conductor que conecta a Carly Simon con Shaun Ryder, a Skepta con Lou Reed y a Bad Bunny con Mark E Smith.
Quizás inevitablemente, reunir a tantos colaboradores eclécticos resultó ser un desafío, incluso para alguien tan talentoso como Damon Albarn. Los álbumes de Gorillaz rara vez son concisos y tienen calidad variable, por lo que son difíciles de navegar. Los mejores son aquellos unificados por un fuerte concepto subyacente, como en la melancólica investigación de Demon Days sobre el “mundo nocturno” posterior al 11 de septiembre, o la sátira ecológica de Plastic Beach de 2010.
Y eso es lo que demuestra The Mountain, inspirada a partes iguales en una visita a la India y en las muertes de los padres de Albarn y Hewlett. Ambos parecen reflejarse en la elección de los invitados. Hay una gran cantidad de artistas indios, desde la cantante de reproducción Asha Bhosle hasta la excéntrica diva del disco espacial Asha Puthli, pasando por una variedad de músicos tradicionales, incluido Anoushka Shankar. Un sitar tintinea y zumba regularmente (en The Plastic Guru, vibra y vibra a dúo con la guitarra aguda de Johnny Marr), una tambura tararea regularmente y la hermosa melodía del título de apertura se toca en un bansuri.
Muchos de los nombres en la lista de invitados realmente hablan al oyente desde más allá de la tumba: Albarn volvió a antiguas grabaciones que hizo con el fallecido Dennis Hopper, Bobby Womack, Mark E Smith, Tony Allen y los raperos Proof of D12 y Trugoy the Dove of De La Soul. La muerte es parte del tejido sonoro del álbum, o más precisamente del sentimiento que la gente experimenta después de la muerte. No hay nada extraño o lacrimoso en la forma en que el verso invitado de Proof surge de Manifesto, o en la forma en que Mark E Smith gruñe, insulta y se burla a través del enorme coro de Delirium. Sus voces suenan imponentes y poderosas.
Podrías pensar que sabes qué esperar de un álbum de Damon Albarn marcado por la pérdida y el desamor. La melancolía es uno de sus modos característicos, expresado a través del tipo de melodías melancólicas y descendentes que adornaron generosamente el último álbum de Blur, The Ballad of Darren. Estos ciertamente aparecen aquí – hay un ejemplo particularmente bueno en The Vacuum Dream Machine – pero el estado de ánimo general del álbum es extrañamente optimista: boogie post-disco con exuberantes cuerdas cinematográficas en The Moon Cave; La voz de Bhosle se eleva alegremente sobre los diminutos sintetizadores de The Shadowy Light; Casa de ácido árabe de Damasco.
Si a veces parece que es demasiado difícil darle un giro positivo a las cosas (el Condado de Orange combina el abatido “la parte más difícil es decir adiós a alguien que amas” de Albarn con una melodía chirriante y alegre con un silbido), la luz y la sombra generalmente están perfectamente ponderadas. En The God of Lying, una voz amenazadora del líder de Idles, Joe Talbot, se coloca sobre un acompañamiento de reggae barato, alegremente caótico, con un efecto sorprendente. El Dictador Feliz reconoce el atractivo superficial de estar libre de malas noticias: “¡El palacio de tu mente será brillante!” » – al tiempo que enfatiza que aquellos que quieran protegerlo de las malas noticias siempre tienen un motivo oscuro y oculto. The Sweet Prince imagina a Albarn junto a la cama de su padre en el hospital – “Estaba tratando de decirte que te amo, pero tú simplemente miraste para otro lado” – pero la música ofrece una euforia silenciosa en un vago remolino de arpa, sitar y electrónica, como para subrayar un tema que se repite una y otra vez en las letras del álbum, expresado de varias maneras y en diferentes idiomas: “Vivir es el final del comienzo”.
Además, los temas parecen unir a La Montaña. Se siente más cohesivo (más como un álbum, menos como una lista de reproducción construida por alguien con gustos increíblemente variados) que sus predecesores inmediatos: algo que es más probable que escuches de principio a fin que tocar con el dedo listo para hacer clic en avance rápido, buscando las mejores pistas. El resultado es un hito inesperado en su carrera, un cuarto de siglo después.
Esta semana Alexis escuchó
Adiós – 13:00 horas
Goodbye entra en gran medida en la categoría de revivalistas del shoegaze, pero su segundo single está más cerca de los Cocteau Twins que de My Bloody Valentine: majestuoso, estimulante, transportador y hermoso.
