FLo primero es lo primero: el Oscar a la Mejor Película debería ser para Marty Supreme por el increíble trabajo que ha hecho al aportar nuevas perspectivas al ping pong. Un deporte en declive que debe ser apoyado con subsidios, esta película por sí sola ha mantenido vivo a wiff waff aunque ya a nadie le importe. Gloria.
A continuación, una confesión. Vi esta película el día que salió y no la he visto desde entonces*. Ese día también era mi cumpleaños, un gran cumpleaños, y esa noche no estaba del todo estable cuando entré al cine. Tengo recuerdos vagos de la parte intermedia: la parte entre el colapso de la casa de baños y el avión a Japón. A mí tampoco me gustó mucho; Encontré esto intrascendente y un poco amoral e inmediatamente decidí olvidar la letra de 4 Raws Remix (letra de muestra: “mi vida es una ópera”) como resultado.
No creo que mis fallos personales deban socavar el argumento para darle a esta película el poder que tan obviamente desea. Si hablamos de cine (y no de campañas de marketing o productos, por muy cautivadores que sean), entonces Josh Safdie ha creado una película que capturó algo del mundo en 2026. Aunque está ambientada en la década de 1950, Marty Supreme solo podría haberse hecho ahora. Si queremos celebrar el arte que refleja el mundo en el que vivimos, entonces esto es todo.
Primero, tenemos al propio Marty Mauser. Mauser, un personaje alegre con una “confianza inmerecida en sí mismo” (una descripción precisa de Peter Debruge de Variety), ve el mundo enteramente en términos de lo que espera de él. Aunque profesa una pasión general por el tenis de mesa, rara vez centra su atención en él. En cambio, pasa de un momento de posible gratificación al siguiente, y Mauser persigue sus apetitos sin pensar en cómo podrían afectar a los demás. Obviamente, se parece al actual presidente de los Estados Unidos, pero también es un poco de todos nosotros, especialmente de todos nosotros, apareciendo en línea.
La velocidad y frecuencia con la que Mauser realiza sus movimientos entrecortados crea una sensación antigua que recuerda a algunas de las mejores comedias excéntricas de Hollywood como Sucedió una noche o Los viajes de Sullivan. Pero es más rápido y más frágil que eso, cada acto va acompañado de su propio golpe de cortisol. La sensación de estar a punto de sufrir un paro cardíaco mientras mira una película es algo que Safdie y su hermano Benny perfeccionaron en sus dos obras maestras, Good Time y Uncut Gems. No es agradable pero es un sentimiento real, un sentimiento intenso y, sinceramente, para muchas personas a veces les recordará la vida moderna.
El ritmo y la caracterización no son las únicas cosas que hacen que esta película sea excesiva. También es la estética. La Nueva York recreada de los años 50 es una época que muchos espectadores creerán conocer, con sus trajes elegantes y bares de barrio (al igual que el Londres de los años 50, con sus atmósferas austeras). Pero Safdie, particularmente con su énfasis en elegir actores que no sean actores y personas con, digamos, fisonomías poco convencionales de Hollywood, transforma lo familiar en su eco inquietante. Es un efecto que sólo se realza en la cinematografía del nominado Darius Khondji, que se basa en primeros planos intensos como otro medio para inquietar y perturbar.
Una vez más os repito que la nostalgia con matices de pesadilla es algo de lo que está cada vez más impregnada nuestra cultura contemporánea. Asimismo, hay algo bastante moderno en los elementos anacrónicos de la película. Ya sean las canciones de Tears for Fears como telón de fondo musical o el fantasma Wally montando el látigo de Mauser y Tyler Okonma (es decir, saliendo de su auto y bailando mientras sigue rodando), hay una imposición cultural en este drama histórico; lo era entonces, pero reforzado por el presente.
En una entrevista reciente con The Guardian, Safdie dijo que tres períodos de la historia reciente (los Estados Unidos de la posguerra, la década de 1980 y la actualidad) representan diferentes etapas de lo que él considera el retroceso del sueño americano. Marty es la encarnación de este cambio: menos Holden Caulfield o Jim Stark, más Mr Beast o, diablos, Timothée Chalamet. No podemos evitar mirar el pasado a través de nuestros ojos contemporáneos, pero esto parece una imposición más poderosa y, por lo tanto, crea algo nuevo.
Toda esta disyunción se condensa en el momento final de la película (alerta de spoiler). Marty regresa de su viaje a Japón justo a tiempo para ver a su hijo recién nacido en la sala de maternidad, pero no a la madre a la que trataba en gran medida como una ocurrencia tardía. Mientras está de pie con la cara pegada al cristal, una lágrima aparece en sus ojos. ¿Fue este un momento final de redención, una comprensión por parte de Marty de lo que realmente importa? ¿O fue simplemente otra dosis de dopamina antes de pasar a la siguiente? La tradición llevaba al espectador hacia lo primero, pero yo salí convencido de que era lo segundo. No me gustaba esa sensación, pero esta película me hizo tenerla y eso, como seguramente señaló Chalamet en algún momento de su interminable gira promocional, es cine.
*¿Por qué no lo volví a ver la semana pasada? Porque estoy en la cima de una montaña informando sobre los Juegos Paralímpicos de Invierno.
