SíSería difícil encontrar un argumento de venta más relevante para una obra de Nueva York que una mala cita. La humillación, la decepción, la confusión y la hilaridad de una cita que salió mal es una anécdota siempre presente, material para buenos chismes y quizás incluso mejor comedia. Tal es el tono de Becky Shaw, la nueva producción del Second Stage Theatre de la obra de Gina Gionfriddo de 2008, que promete una cita a ciegas que, por supuesto, “se descarrila espectacularmente”. Incluso casi 20 años después, la mala cita de una persona es el gran teatro de otra, aunque el incidente que incita al desastre interpersonal de esta obra tensa y a menudo divertida es menos un horror romántico que cuatro casos de trauma emocional enconado. Esto da como resultado una extraña mezcla de narcisismo, cinismo y manipulación que, a pesar de su veneno, de alguna manera logra arrojar un brillo nostálgico sobre la era de las citas anterior a los teléfonos inteligentes.
El director Trip Cullman decidió sabiamente no actualizar el texto original de la obra para su debut en Broadway esta temporada. En cambio, el ex finalista del Pulitzer existe, para bien o para mal, como una reliquia de una época no hace mucho pero completamente ajena al hombre moderno. Nos transportamos a 2007, una época de teléfonos plegables y tacones de charol (trajes de época de Kaye Voyce), una época en la que era posible enviar a alguien a localizar físicamente a la persona que no te había respondido. El cuarteto central de esta producción en dos actos, ahora en el Hayes Theatre, puede hacer referencias obsoletas al Partido Verde y la guerra de Irak, pero sus arquetipos siguen siendo relevantes: el intelectual bien intencionado pero egocéntrico, el misántropo tortuoso, el bienhechor autoafirmado y, por último, pero no menos importante, la víctima perpetua.
La forma en que estos chicos chocan es, al igual que la dinámica familiar en juego, un poco complicada. Conocemos por primera vez a Suzanna (Lauren Patten, ganadora del Tony por Jagged Little Pill), una estudiante de posgrado en psicología, en una habitación estéril de un hotel de Nueva York, horas después del funeral de su padre. A pesar de que tiene 35 años, maneja la pérdida y la presencia del nuevo novio de su madre como una niña, especialmente en presencia de su pseudo hermano mayor Max (Alden Ehrenreich de Oppenheimer). Max, un huérfano de hoy en día (madre fallecida, padre criminal de cuello blanco) a quien sus padres adoptaron informalmente cuando tenía 10 años, es un hermano financiero creíble enfundado en una brillante armadura de cinismo que informa sin rodeos a Suzanna y su madre discapacitada (una Linda Emond deliciosamente imperiosa) que sus finanzas están en desorden. Además, su difunto padre probablemente era gay (como dije, hay algunas provocaciones anticuadas).
El vínculo semiincestuoso entre Max y Suzanna crepita y se rompe en el escenario pero, ocho meses y una escena después, ella está casada con Andrew (Patrick Ball de The Pitt), un aspirante a escritor muy “indie rock” (en palabras de Max). La nueva pareja logra triunfar en Providence, gracias al consejo financiero de Max. Como agradecimiento, favor o ave María, imprudentemente proponen una cita doble con la colega temporal de Max y Andrew, Becky (Madeline Brewer), una treintañera que abandonó la universidad, no tiene coche y aparentemente tiene mucho equipaje. Esta es esencialmente la primera mitad del espectáculo: meticulosa, refrescante y precisa en su puesta en escena, llenando espacio para la desfavorable entrada de Becky. (Gianfriddo basó el personaje libremente en Rebecca “Becky” Sharp, la joven astuta pero sin un centavo en la novela Vanity Fair de William Makepeace Thackeray de 1847-48). “Pareces una tarta de cumpleaños”, la saluda Max con sorna, señal de amargura futura. Semejantes calumnias resultan gratamente impactantes, porque esta maraña de atracciones (Max por la sorprendente agudeza de Becky, Andrew por sus heridas, Suzanna por la acidez de Max) es, al menos en el primer acto, eléctrica.
Que la serie no pueda sostener esta carga a través de su errático segundo acto es más una cuestión del libro que de la actuación. Las consecuencias de la cita (invisible) de Becky y Max son conversaciones posteriores entre personajes que revelan el desequilibrio en sus constituciones. Irónicamente, la obra homónima, interpretada por Brewer con matices de salvaje desesperación, parece la menos fundamentada: una trama disfrazada de dulce cuya gran revelación –digamos una complicado historia con hombres negros – parece a la vez anticuada y artificial, el morderse los dientes de Halloween donde podría haber colmillos. Max, el más transparente y baboso del grupo, es también el más convincente. Ehrenreich es muy bueno interpretando a este tipo canalla rico y descaradamente compensador (consulte la película Fair Play de Chloé Domont de 2023), muy bueno pronunciando con desdén la frase “eso mujer” de una manera que te provoca escalofríos, algo que extrañaba cada vez que salía del escenario.
Todos regresan, al menos, para una pelea final de reputación y relaciones que, si bien me hizo pensar (y luego maldecirme por pensar) en la palabra “histérico”, también le permitió a Emond entregar deliciosas pepitas de terrible sabiduría endurecidas por años de enfermedades crónicas en diamantes negros. El verdadero horror en Becky Shaw no es una mala cita, sino patrones inevitables de disfunción, igual de divertidos, a veces, pero también mucho más aterradores.
