METROAndy, Indiana no es un grupo dispuesto a hacerse la vida fácil. Querían grabar su álbum debut, I’ve Seen a Way, de 2023, en una cueva de Peak District conocida como Devil’s Asse, aunque las restricciones presupuestarias significaron que tuvieron que conformarse con un día en las cavernas de Wookey Hole en Somerset. El nuevo álbum del cuarteto con sede en Manchester y Berlín, Urgh, fue escrito en lo que llamaron “una intensa residencia en un extraño estudio” cerca de Leeds; En ese momento, el cantante Valentine Caulfield y el baterista Alex Macdougall estaban siendo sometidos a múltiples cirugías. Dada la intensidad industrial y sirena de su música, en la que Caulfield canta sobre horrores personales y sociales en su francés nativo, limitarse a un lugar así podría haber parecido innecesariamente masoquista.
Mandy en Indiana parece sentir el imperativo moral de abrazar los extremos. Caulfield reiteró a menudo su posición (correcta) de que “si no estás enojado, entonces no estás prestando atención”; La encantadora letra de su nueva canción Dodecahedron indica complacencia ante un mundo en llamas. Dada la dramática situación, el ataque de cortocircuito de la banda puede ser tan atractivo para algunos oyentes como meter los dedos en una toma en vivo, pero para aquellos inclinados a la catarsis, también entienden completamente el imperativo de ir más allá de simplemente observar la injusticia para encarnar visceralmente su fuerza vertiginosa. De lo contrario, ¿cuál es el punto?
Este instinto los coloca junto a Model/Actriz, YHWH Nailgun, Moin, Kim Gordon y Gilla Band, el último de los cuales es posiblemente los antepasados de todo esto. (Daniel Fox de la banda mezcló Mandy, el álbum debut de Indiana, y coprodujo Urgh.) Cada una de estas bandas desmanteló el rock hasta sus huesos mecánicos, le dio Frankenstein el ADN del techno y el trap para hacerlo sonar increíblemente nuevo. En esta compañía inmunda y purgante, donde todos mutan en una dirección suficientemente diferente para que cada acto siga siendo convincente, Mandy, la particularidad de Indiana proviene de sus ritmos flexibles. Impulsadas por la increíble versatilidad de Macdougall y la interpretación entrecortada de Caulfield, muchas de sus canciones están impulsadas por un movimiento corporal libre y adictivo, que a menudo se ve bloqueado por vientos fuertes y ruidos fuertes: una amenaza acecha en cada esquina.
Urgh, su álbum debut para Sacred Bones, tiene algunas diferencias obvias con respecto a su debut: la agitación percusiva de Cursive redirige a un electro rudimentario que recuerda atractivamente a 19 de Paul Hardcastle, y el rapero estadounidense y espíritu afín Billy Woods agrega versos invitados a Sicko!, sonando típicamente imperturbable mientras la pista oscila tranquilamente entre gárgaras y fuego de artillería puntillista. Pero la principal evolución reside en un sonido más áspero y denso, un contraste de física extrema y de hiperdetalle que da la impresión de ser arrastrado por una fuerte ola y maravillarse ante los restos de naufragios atrapados en su oleaje.
Es increíblemente difícil decir dónde termina el guitarrista Scott Fair y comienza el sintetizador Simon Catling. El feroz pico de Magazine golpea como un martinete que se detiene para recargar solo para renovar su ataque devastador, mientras que el tamborileo de Macdougall evoca frascos de vidrio temblorosos en un minuto, y tambores taiko japoneses en auge al siguiente. Standout Ist Halt So (la expresión alemana que se encoge de hombros para “así es como es”) parece incluir cuatro movimientos diferentes en otros tantos minutos (provocativo, estático, gritando, frío como una tormenta de nieve) y tiene una forma al estilo Nine Inch Nails de hacer que la mecánica sea sórdida y llena de gusanos, hasta llegar a finales asquerosamente brillantes.
Caulfield dijo que apreciaba que la mayoría de los oyentes no entendieran sus palabras; que la concepción del lenguaje como bello por parte de los no francófonos significa que puede, como en el primer sencillo Nike de Samotracia, colar líneas sobre violadores apuñalados. “Estoy tratando de decirte mis intenciones en la forma en que juego y en la forma en que uso estas palabras, y veamos si puedes entender algo de eso”, dijo. No importa tu nivel de Duolingo, sin duda te sentirás como alguien atrapado en medio de los sonidos de espejos rotos y la percusión rebotante de Try Saying, una canción sobre el deseo de una vida fácil. A Brighter Tomorrow combina una sirena lenta con un bajo pesado, creando un efecto sofocante antes de que te des cuenta de que Caulfield, en un momento incorpóreo, parece estar cantando sobre un esfuerzo vacilante en tiempo real para procesar una agresión sexual.
Para la canción final, I’ll Ask Her, Caulfield canta en inglés por primera vez, obviamente con la intención de ser escuchada lo más ampliamente posible: “Están todos jodidamente locos, hombre”, repite frenéticamente, mientras repite de manera convincente la forma en que los hombres desestiman casualmente las acusaciones de agresión sexual contra sus parejas. Intercalado con perros ladrando, un diseño de sonido increíble y el incesante gemido de una amoladora angular, se sobrecalienta hasta que suena como un ataque de pánico.
#MeToo está desapareciendo de la ventana trasera de la cultura y, a su vez, las canciones que confrontan explícitamente la cultura de la violación están acaparando menos titulares. Piensas en Dominique Pelicot y el ex concejal conservador Philip Young –que pasaron años drogando y violando a sus esposas– y en todos los bastardos con un sello de la isla Epstein en su pasaporte, los hermanos que se controlan unos a otros más cerca de casa, y recuerdas que se siente extremadamente bien escuchar a alguien enfadarse por eso mientras la emergencia sigue ahí.
Esta semana, Laura escuchó
Cortes de energía continuos Fiebre costera: quemaduras solares en Londres
Amor, desconexión y la sombra del colonialismo se entrelazan en el regreso de la banda de Melbourne, cuya belleza es la ligereza con la que sopesan estos temas en medio de una perfecta porción de indie australiano.
