ta música de los primeros años del cine jugó un papel crucial en cómo el público (con un pianista u organista en vivo en la banda sonora de una película muda) experimentó las historias en la pantalla. Pero fue sólo con la llegada del sonido sincronizado que se les garantizó lo mismo experiencia musical.
Incluso este momento, ampliamente considerado como el de Don Juan de 1926 (una película por lo demás muda), no fue una verdadera banda sonora. Warner Bros utilizó el sistema Vitaphone, esencialmente una grabación de disco que se reproduce junto con la imagen. El mismo sistema se utilizó en The Jazz Singer de 1927, la primera película en la que las voces también estaban sincronizadas con la imagen. Reproducir una imagen en un disco no era confiable, y no pasó mucho tiempo antes de que se pudiera imprimir música directamente en el celuloide de la película y naciera la banda sonora propiamente dicha.
La música de cine tal como la conocemos rápidamente encontró su lugar a principios de la década de 1930. Esto se debió en gran parte a los compositores emigrados europeos que trajeron consigo un estilo estilístico y una narrativa nacida de la ópera, la sinfonía y el music hall. Siguieron los compositores de Tin Pan Alley y Broadway, lo que se sumó a la riqueza musical que se convertiría en la base de la música de Hollywood en los años venideros. Hoy, casi un siglo después, los conceptos básicos de la banda sonora de una película y su funcionamiento permanecen relativamente sin cambios. Pero, ¿qué evolucionó esta forma de arte y cambió la forma en que escuchamos películas?
Amanecer: una canción de dos humanos (1927)
El gran cineasta expresionista alemán FW Murnau realizó esta película ganadora del Oscar en Hollywood por invitación del productor William Fox. Aunque se considera una entrada tardía a la era del cine mudo, en gran parte debido al uso de intertítulos en lugar de diálogos, se benefició de efectos sincronizados y una pista musical gracias al innovador sistema Movietone de Fox. Por primera vez, los elementos sonoros de una película se imprimieron ópticamente directamente sobre la película. El público habría escuchado música grabada por Chopin y Gounod.
Rey Kong (1933)
Aunque ya se había iniciado en una serie de películas antes, la mayoría de ellas sin créditos, el austriaco Max Steiner refinó exactamente cómo podría funcionar una banda sonora cinematográfica con este clásico para RKO. Su meticulosa aplicación de la orquesta para atender cuestiones de narración musical, estructura, puesta en escena y matices emocionales fue una gran parte del impacto y el éxito de la película. En efecto, rey kong Fue la base y el marco sobre el que se construyó toda la música sinfónica posterior para las películas de Hollywood, y todavía lo es en algunos aspectos.
Ciudadano Kane (1941)
El primer largometraje de Orson Welles fue la primera banda sonora del compositor Bernard Herrmann. Ambos habían trabajado en radionovelas en Nueva York; En Hollywood, la voz de Herrmann era singular, rodeado como estaba (con la excepción de Alfred Newman) de compositores europeos. Para Kane, Herrmann instaló su stand, evitando la almibarada paleta sinfónica “Hollywoodeña” de sus pares y, con un buen ojo para lo dramático, creó un mundo sonoro hecho a medida para la película, enfatizando el estado de ánimo y la atmósfera.
La jungla de pizarra (1955)
Hubo algunos clavos en el ataúd de la música de cine sinfónica tradicional, y Blackboard Jungle fue el primero. licencia mgm Rock Around the Clock, grabado por Bill Haley and His Cometscomo hilo musical principal de la película. Era la banda sonora de una historia sobre adolescentes rebeldes en una escuela del centro de la ciudad, y su popularidad causó mucha ansiedad a los padres que temían su influencia (y la de la canción). La canción se convirtió en un éxito mundial y los estudios se dieron cuenta de cómo la música podía ayudar a promocionar sus películas. Pronto siguieron las partituras de jazz.
Planeta prohibido (1956)
Años antes de la creación del BBC Radiophonic Workshop, la pareja pionera Louis y Bebe Barron estaban creando sonidos de otro mundo para cintas magnéticas. Hollywood había coqueteado con los sonidos electrónicos, en particular el teremín – tal como lo utilizan Dimitri Tiomkin en La cosa de otro mundo y Herrmann en El día que la Tierra se detuvo (ambos de 1951). Por el planeta prohibidoSin embargo, los Barron crearon la primera música cinematográfica totalmente electrónica. Su fusión entre efectos y música sorprende y deleita al público e inspira a una nueva generación de compositores.
Desayuno en Tiffany’s (1961)
La música pop y el jazz se habían infiltrado verdaderamente en las bandas sonoras de las películas de la década de 1960, y uno de sus mayores defensores fue el compositor Henry Mancini. Con Breakfast at Tiffany’s, Mancini complació a los productores creando no sólo una canción exitosa (Moon River), sino también una música totalmente en sintonía con los tiempos. Mancini tenía talento para el “pop sinfónico”, combinando las tradiciones melódicas de antaño con los sonidos alegres de lo nuevo. ¡Los gustos de Hatari de Mancini! (1962), Charade (1963) y The Pink Panther (1963) se benefician de este crisol musical.
2001: Una odisea en el espacio (1968)
Fue una especie de giro del destino que nos dio una de las bandas sonoras de películas más brillantes e impactantes de todos los tiempos. El compositor Alex North escribió música original para la obra maestra de ciencia ficción de Stanley Kubrick, pero finalmente fue descartada. Al parecer, el director se había encariñado demasiado con las piezas clásicas que utilizaba mientras tanto. Hay que sentir algo por North, pero es difícil imaginar la brillante película de Kubrick sin su poderosa mezcla de Ligeti, Richard Strauss, Khachaturian y Johann Strauss II.
Graffiti americano (1973)
Antes de darnos Star Wars, el escritor y director George Lucas tuvo otro éxito en forma de graffiti americano. Captura una noche en la vida de un grupo de adolescentes de California mientras escuchan rock ‘n’ roll, carreras de autos y reflexionan sobre la vida y el amor. La película presenta más de 40 canciones de la época, cada una cuidadosamente ubicada dentro de la narrativa de la película y escuchada en las radios de los automóviles o en restaurantes. La popularidad de la película, por no hablar de su álbum de banda sonora que encabeza las listasinspiraría una nueva ola de bandas sonoras basadas en canciones.
Star Wars: Una nueva esperanza (1977)
Por mucho que American Graffiti de Lucas fuera un ojo para la música cinematográfica sinfónica, su éxito de ciencia ficción de 1977, Star Wars, fue un tiro en el brazo. Por recomendación de Steven Spielberg, Lucas se puso en contacto con el compositor John Williams para que escribiera música para lo que pretendía ser un afectuoso pastiche de una época pasada. Williams inmediatamente se llevó la lengua a la mejilla y creó una partitura sinfónica de estilo antiguo con guiños a Holst, Walton y Korngold. Al final, Williams hizo que Hollywood y el público volvieran a enamorarse de la sinfonía.
Marea carmesí (1995)
Hans Zimmer revolucionó la música cinematográfica de Hollywood y Crimson Tide es la culminación de ese momento. Fue una muestra temprana del tipo de sonido enorme, casi inquebrantable, que conocemos del compositor nacido en Alemania. La música electrónica siempre ha estado en el corazón de Zimmer como artista, pero su fusión con el peso emocional real de los músicos orquestales y coros (como aquí) es algo que realmente hizo suyo. Y fue con él que nació el sonido de la música cinematográfica moderna de Hollywood.
