A Una película que gana los cinco premios Oscar más importantes (Mejor Película, así como los honores de Actor y Actriz Principales, Guión y Dirección) ocurre tan raramente que no tiene mucho sentido examinar las tres películas que lograron encontrar puntos en común. Pero entre Sucedió una noche, Alguien voló sobre el nido del cuco y El silencio de los corderos, puede que sea Nido del cuco, estrenada el miércoles hace 50 años, la que parece el triunfo más improbable en todos los niveles. Tanto Sucedió una noche como El silencio de los corderos pertenecen a géneros raramente premiados (comedia romántica y terror, respectivamente), lo que hace que sus grandes triunfos sean inusuales pero también claros: he aquí un ejemplo de este tipo de películas en su máxima expresión. El nido del cuco, por el contrario, es potencialmente mucho más espinoso. Es una comedia dramática hecha al menos en parte como una alegoría: una historia inconformista sobre cómo fomentar la rebelión social en la década de 1960, disfrazada de una película sobre pacientes adorables en un centro de salud mental.
La novela de Ken Kesey en la que se basa la película se publicó en 1962 y narra algo de lo que Kesey vio como enfermera de hospital y anticipó algunas de las reacciones violentas que se avecinaban contra el conformismo estadounidense de la posguerra. El gran cambio en la película de Miloš Forman es alejarse de la historia del Jefe (Will Sampson), un imponente nativo americano que se presenta como sordomudo. El Jefe narra el libro, mientras la película se acerca al punto de vista de RP McMurphy (Jack Nicholson), quien ingresa a las instalaciones después de fingir una enfermedad mental con la esperanza de evitar cumplir una sentencia en un campo de trabajo. Aunque los médicos no parecen del todo convencidos de su artimaña, su comportamiento aparentemente es lo suficientemente errático como para quedarse al menos por un tiempo. Sus intentos de aportar más individualismo y placer a sus convivientes chocan con la enfermera Ratched (Louise Fletcher), que ejerce un estricto control sobre la sala.
El matón de espíritu libre que se opone a una figura de autoridad severa incitando a un partido es una vanidad que roza la locura; Unos años más tarde, dos de los actores que interpretan a los pacientes del centro, Danny DeVito y Christopher Lloyd, protagonizarían la peculiar comedia Taxi, en la que Lloyd incluso interpretó a un bicho raro divertido y exhausto. (Un gran espectáculo, para ser claros, pero no una historia aleccionadora sobre una enfermedad mental). Nicholson, sin embargo, ofrece una actuación tan compleja que McMurphy trasciende cualquier idealización fácil. Es a la vez tan caricaturesco como cualquier futuro papel de “Jack” (mira la forma en que el icónico casquete de McMurphy, cuando se quita, acentúa los arcos de la línea de entrada del cabello reconocible al instante de Nicholson) y sutilmente embrujado.
El momento tan citado, y con razón, llega cerca del final de la película, después de una estridente fiesta en el salón que McMurphy organizó al azar para sus nuevos amigos. (Es el tipo de arrebato desordenado que haría que muchos viejos decanos gruñones reprendieran a una fraternidad amante de la diversión por ir demasiado lejos esta vez). McMurphy y el Jefe planean escapar de las instalaciones al final de la noche; estos son dos de los raros pacientes que fueron internados en lugar de residir allí voluntariamente. McMurphy se sienta junto a la ventana por donde se supone que debe escapar, mirando al vacío, y Forman sostiene un primer plano de Nicholson mientras parece contemplar las consecuencias de sus acciones, o tal vez lo que realmente podría hacer a continuación, dado su historial de arrestos y sus recursos limitados. La mirada no es exactamente vacía –aunque se refleja en su mirada vegetativa al final de la película, después de haber sido castigado por su rebelión con una lobotomía–, pero uno siente la pérdida debajo de su bravuconería nicholsoniana.
Fletcher no siguió una carrera de la escala de Nicholson, pero su trabajo como la enfermera Ratched es casi igual de imborrable. En términos de tiempo frente a la pantalla, podría considerarse una jugadora secundaria; ella es menos visible de inmediato durante gran parte de la película que el grupo de pacientes que rodean a McMurphy. Fletcher tampoco hace alarde. En la gran mayoría de sus escenas, ella es silenciosamente oficiosa, rara vez alza la voz, pero nunca se rinde, reprimiendo la disensión o los cambios en la rutina con una terquedad que hace pasar por preocupación. Aquellos que recuerdan la naturaleza rebelde de McMurphy se sorprenderán al descubrir cuántas escenas lo involucran finalmente cediendo ante Ratched, a pesar de lo que él llama “esa mierda del gallinero”. Su momento clave llega cuando reprende al joven y tímido Billy (Brad Dourif) por salir con una prostituta. No se centra en el descuido, el respeto por las mujeres o incluso en romper las reglas del establishment. En cambio, pregunta: “¿No te da vergüenza?”.
La idea de avergonzar a las personas para que se conformen todavía resuena, sobre todo porque la pronuncia aquí una figura de autoridad que (como suele ser el caso) parece rechazar todo eso él mismo. Aunque algunos de los métodos de tratamiento representados en Alguien voló sobre el nido del cuco han caído en desgracia en las décadas posteriores, la película extrae una cierta sensación de atemporalidad de su entorno, simplemente porque el aislamiento y la naturaleza reglamentada del hospital no se siente particularmente confinado a la década de 1960, cuando se desarrolla la historia, o a la década de 1970, cuando se hizo. (Está bien, tal vez la idea de que el día ilícito de McMurphy implicara llevar a los niños a pescar parezca pintoresca hoy).
Cincuenta años después, la influencia de la película es quizás más visible a través de su lado más estrafalario, que, curiosamente, también resulta ser su lado más amenazador. No parece del todo una coincidencia que la comedia universitaria Animal House, estrenada unos años después, tenga lugar aproximadamente al mismo tiempo que Cuckoo’s Nest, encontrando una liberación igualmente centrada en los hombres en las fiestas y la autodestrucción tácita, pero sin las dimensiones más tristes de la película anterior. Y a pesar de esta tristeza, Cuckoo’s Nest impulsa una forma muy americana de individualismo brutal, confundiendo incluso esta naturaleza rebelde con un carácter indígena. Ambientada en 2025, hay casi algo un poco codificado por Maha en el tratamiento de la salud mental de la película, donde condiciones como la tartamudez de Billy se pueden superar con un poco de sentido común temático (y práctico), mientras que el mutismo y la sordera del Jefe son solo cosas que decidió fingir, y las drogas son solo otra forma de control conformista.
Por supuesto, estas implicaciones tienen más que ver con los cambios en la naturaleza de la rebelión estadounidense durante el último medio siglo. Aún así, es instructivo observar la alineación inusualmente asombrosa de competencia que enfrentó Cuckoo’s Nest en los Oscar. Aparte de Barry Lyndon, una película europea, las otras nominadas a Mejor Película en 1975 cuentan historias específicas y convincentes sobre Estados Unidos: el espíritu positivo del trío central de Tiburón, enfrentado al capitalismo estadounidense en el tema del Día de la Independencia; los desventurados criminales de Tarde de perros, que se sienten abandonados por la sociedad mientras incitan a un circo mediático; y el clima político turbulento, a veces ridículo, descrito en Nashville. Alguien voló sobre el nido del cuco, que termina (como la novela) con el Jefe asfixiando a un McMurphy lobotomizado y dando el salto hacia su majestuoso escape, parece al menos tan triste como cualquiera de esas películas. Sin embargo, naturalmente se recibe como algo más triunfante, por muy mezclado que pueda ser ese espíritu. “Lo intenté, ¿no? Demonios, al menos lo hice”, dice McMurphy sobre su propio intento de levantar un tanque de agua y romper una ventana, como finalmente hace Chief. No es el mensaje más sutil o complejo entre estos otros clásicos de 1975. Pero puede que sea el más fácil de recordar para el público. ¿Quién no puede entender perder una batalla y sentirse victorioso?
