El Variety Arts Theatre de cinco pisos de estilo veneciano en el centro de Los Ángeles abrirá sus puertas al público por primera vez en décadas el viernes, no como un palacio de cine tradicional, sino como el sitio de una exhibición de arte y cine inusualmente ambiciosa.
“Qué mundo tan maravilloso: un poema audiovisual” tendrá una duración de seis semanas hasta el 20 de marzo y cubrirá más de 120 años de imágenes en movimiento, desde los inicios del cine mudo hasta el videoarte contemporáneo. Organizada por la coleccionista Julia Stoschek –cuya fundación privada constituye el núcleo de la exposición– y el curador Udo Kittelmann, la recuperación temporal sugiere que la historia de las imágenes en movimiento es menos una línea recta que un circuito de retroalimentación en el que las obras individuales resurgen, adquiriendo un nuevo significado a medida que pasan por la memoria cultural compartida.
“Estamos rodeados de imágenes en movimiento”, dijo Stoschek durante un reciente recorrido por la exposición. “Dan forma a nuestra forma de pensar, nuestra forma de comunicarnos. Constituyen el principal lenguaje artístico de nuestro tiempo”.
Un retrato de la coleccionista de videoarte Julia Stoschek. La asombrosa colección de Stoschek, una de las mejores del mundo, se presenta por primera vez en los Estados Unidos en una exposición titulada “What a Wonderful World: An Audiovisual Poem”.
(Carlin Stiehl / Por tiempo)
La exposición se basa en la impresionante colección privada de Stoschek de más de 1.000 obras de arte, cientos de las cuales están digitalizado en línea. El arte temporal está notoriamente subcoleccionado por las instituciones y subvaluado por el mercado. Pero gracias a su prolongado compromiso con los artistas, Stoschek acumuló una de las colecciones más grandes del mundo y le dio buen uso.
La Fundación Stoschek ha apoyado decenas de exposiciones, incluidos dos pabellones alemanes en la Bienal de Venecia, y gestiona museos públicos en Düsseldorf y Berlín. Para los aficionados al videoarte, “What a Wonderful World” es una incursión anticipada en los Estados Unidos.
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Aunque hay palomitas de maíz, no hay asientos fijos, ni proyecciones cronometradas, ni intento de contar una historia lineal del cine. A partir de las 17 h. Hasta la medianoche, los visitantes están invitados a pasear libremente a través de un denso laberinto de imágenes y sonidos, donde monumentos cinematográficos como “Un viaje a la Luna” de George Méliès (1902) y “Un Chien Andalou” de Luis Buñuel (1929) se encuentran dispersos en las galerías junto con obras contemporáneas de artistas como Marina Abramović y Wolfgang Tillmans. El artista veneciano Doug Aitken también presenta un nuevo proyecto, titulado “Howl” (2026), dos días después de la inauguración de la exposición.
En primer plano, “Apex” (2013) de Arthur Jafa se estrena en Los Ángeles. Ampliamente considerada una obra maestra del videoarte, su pieza pegadiza y sincopada vibra a través de medios apropiados de videos musicales, secuencias de noticias y cultura pop para formar un seductor montaje de logros culturales negros, escenas de brutalidad e imágenes vernáculas.
“Apex” se proyecta directamente frente al auditorio de la primera película animada del dibujante del New York Herald Winsor McCay, “Little Nemo” (1911), que presenta a un niño príncipe blanco bailando junto a caricaturas ancladas en un espectáculo de juglar. A menudo contextualizado como una etapa importante de invención artística mezclada con representación racista, “El pequeño Nemo” adquiere aquí una valencia diferente. La emocionante banda sonora del primero desgarra la encantadora lógica onírica de “Little Nemo”, rompiendo la ilusión de que Nemo, a pesar de su interpretación virtuosa, puede distinguirse tan claramente de las representaciones grotescas que lo acompañan.
Si la película más antigua depende de una jerarquía visual que aísla el refinamiento de los estereotipos racializados, “Apex” rechaza esta separación. Condensa crueldad y placer, gracia y tristeza en un caleidoscopio puntuado de sentimientos. El efecto es agotador y perturbador.
“Doku The Flow” de Lu Yang se presenta durante la exposición “What a Wonderful World: An Audiovisual Poem”, presentada por la Fundación Julia Stoschek en el Variety Arts Theatre en el centro de Los Ángeles.
(Carlin Stiehl / Por tiempo)
El montaje cinematográfico, iniciado por Sergei Eisenstein y reinventado por Jean-Luc Godard, se convierte en un principio organizador de la exposición, mientras las obras de arte compiten por la atención. Se necesitarían unas 12 horas para ver el espectáculo de principio a fin, pero Stoschek y Kittelmann recomiendan una o dos horas de deambular sin rumbo. El audio de una obra se desvanece en otra, mientras destellos de sonidos e imágenes familiares (metraje del 11 de septiembre, una canción de Britney Spears) funcionan como lo que Kittelmann llama “desencadenantes de la memoria” que conectan experiencias personales y compartidas.
En un balcón, una grabación de la conmovedora interpretación de Nina Simone del espiritual “Sinnerman” de Nina Simone en 1965 se coloca sobre imágenes de archivo pirateadas del movimiento de derechos civiles y las protestas contra la guerra de Vietnam. En otros lugares, los chicos de fraternidad beben en exceso en las ruinas mayas en “Ciudades de oro y espejos” de Cyprien Gaillard.» (2009), mientras que “Meditación sobre la violencia” (1948) de Maya Deren captura un ritual taoísta de gracia masculina.
“What a Wonderful World” trata la disonancia, la cacofonía y la intensidad como metáforas de la vida cotidiana.
“El mundo en sí es ruidoso y abrumador”, dijo Kittelmann, enfatizando que el significado emerge cuando se abren conexiones familiares, lo que permite que la atención se desplace hacia las brechas entre ellas.
El curador Udo Kittelmann, izquierda, y Julia Stoschek se sientan frente a “Doku The Flow” de Lu Yang en la exposición “What a Wonderful World: An Audiovisual Poem”, que presenta la histórica colección de videoarte de Stoschek por primera vez en los Estados Unidos.
(Carlin Stiehl / Por tiempo)
Stoschek construye su colección en torno a lo que ella llama “arte con una imagen residual”, buscando piezas que permanecen en la mente y luego cambian sutilmente de registro. El trabajo suele ser difícil y desorientador, pero el objetivo de la serie no es subyugar a los espectadores.
“Queremos que la gente entre, haga una pausa, piense y se vaya con un cambio de perspectiva, con un atisbo de esperanza”, dijo Stoschek.
Un seco sentido del humor emerge en lugares inesperados, como cerca del espejo del baño, donde está instalada “The Making of Monster” (1996) de Douglas Gordon. Se produce un divertido momento de introspección cuando Gordon se desfigura la cara con cinta adhesiva.
Stoschek, ex fideicomisaria del MOCA, pasó años intentando llevar su colección a Los Ángeles, a la que llama “el lugar de nacimiento de la modernidad visual de la imaginación cinematográfica”. El acceso al Théâtre des Arts des Variétés fue la oportunidad perfecta. Obras de Dara Birnbaum y Elaine Sturtevant flanquean la entrada del edificio, honrando los orígenes del teatro como centro cívico para mujeres. Figuras públicas destacadas como Eleanor Roosevelt hablaron allí antes de que el lugar se convirtiera en una sala de vodevil. Charlie Chaplin estuvo presente en la inauguración.
Las artes de variedades han estado en gran medida inactivas desde la década de 1990, experimentando alquileres ocasionales y largos períodos de desocupación. Con el tiempo, se convirtió en un símbolo de abandono y potencial no realizado en el centro de Los Ángeles.
“La felicidad (por fin) después de 35.000 años de civilización (después de Henry Darger y Charles Fourier)” de Paul Chan se proyecta durante la exposición “Qué mundo tan maravilloso: un poema audiovisual” en el Variety Arts Theatre del centro de Los Ángeles.
(Carlin Stiehl / Por tiempo)
La proyección en el teatro representa para Aitken un punto de partida.
“Fui a una boda familiar allí cuando tenía 5 años, y a espectáculos de punk underground en los años 80 cuando era un adolescente”, dijo, añadiendo que la exposición y su decoración contradicen la narrativa familiar de que Los Ángeles es “una ciudad sin historia”.
Aitken rastrea el espíritu rector del edificio a través del linaje cultural no canonizado del centro de la ciudad, a lo largo de Alameda Street y en lugares como LACE y Al’s Bar, donde los artistas fusionaron música y cine en ocupaciones de lofts e instalaciones de vanguardia.
“Generaciones de artistas continúan heredando la caja blanca y creemos que ahí es donde debe residir el arte”, afirmó. “Es una visión muy conservadora”.
“Qué mundo tan maravilloso”, dijo, modelando una forma alternativa de presentar la historia artística de Los Ángeles, una que es paralela a la narrativa dominante de Hollywood.
La fachada exterior del Variety Arts Theatre en el centro de Los Ángeles, que abre sus puertas por primera vez en años para albergar una exposición de videoarte de la Fundación Julia Stoschek.
(Carlin Stiehl / Por tiempo)
Kittelmann también considera que los teatros físicos son esenciales para esta ambición.
“Hay espacios muy raros en los que, una vez cerradas las puertas, te olvidas del mundo exterior y se respira de forma completamente diferente”, afirma.
Gracias a la exposición, el edificio puede mostrar su piel: las paredes están enlucidas pero no pintadas, y el sótano está lleno de baratijas acumuladas durante su larga y colorida historia.
“Untitled (Wave)” (2021) de Anne Imhof se encuentra poderosamente al final del largo pasillo del sótano. En el vídeo, Imhof se encuentra solo al borde del océano, golpeando repetidamente el agua con un látigo. Al hacerlo, todo lo demás colapsa, dejando sólo esta imagen de resistencia solitaria contra una fuerza que no responde.
En una época en la que la mayor parte del visionado se hace solo, en casa o por teléfono, “What a Wonderful World”» insiste –casi obstinadamente– en la atención colectiva como un acto radical.
“Es una carta de amor a las obras de arte temporales”, dijo Kittelmann, “y una carta de amor a Los Ángeles”.
