ISi alguien todavía sabe cómo llenar una sala de cine ese es James Cameron. Habiendo batido el récord mundial de taquilla de todos los tiempos en 1997 con Titanic y nuevamente 12 años después con Avatar, su trabajo es la cúspide del espectáculo en la pantalla grande.
Su última oferta, Avatar: Fire and Ash, llega en circunstancias radicalmente diferentes. Con varios años entre nosotros y la pandemia, está claro que es poco probable que la taquilla de las salas de cine vuelva a ser lo que era: la taquilla total de Estados Unidos para 2025 asciende actualmente a 7.600 millones de dólares (frente a los 11.300 millones de dólares de 2019); Se espera que el envío mundial ascienda a unos 34.100 millones de dólares, un 13% menos que en la época anterior a Covid. Corresponde aún más a los pitufos hipertróficos de Cameron traer la caballería de taquilla a finales de año. Y espero brindar más información sobre el elixir mágico necesario para romper el dominio de Netflix’n’chill y recuperar la ventaja en los cines.
El entretenimiento en streaming tiene ventaja. Si bien Netflix y compañía a menudo realizan un estreno superficial en cines, o incluso lo eliminan por completo, para sus películas de gran éxito, los estudios tradicionales están bajo una presión cada vez mayor para lanzar sus productos en plataformas digitales. La “ventana de estreno” de 90 días antes de la pandemia, cuando las películas eran exclusivas de los cines, se ha convertido en 45 días, con suerte. Universal fue el primero en romper con la tradición: en 2020, comenzó a ofrecer películas que no habían superado los 50 millones de dólares en taquilla en vídeo premium bajo demanda (PVOD) después de 17 días. Un “woah” colectivo de Keanu fue la única respuesta posible a que Warner Bros. hundiera The Matrix Resurrections, una IP querida en la pantalla grande, si alguna vez la ha visto, al transmitirla simultáneamente en HBO Max en diciembre de 2021.
Frente a esta avalancha de “contenido” digital –perdón a los residentes de Silicon Valley– ¿cómo decide ahora Hollywood qué merece un estreno en cines? Lo que buscan los ejecutivos (al menos en Sony, según uno de sus socios productores con el que hablé recientemente) es “teatralidad”. Con ese término, la compañía se refiere a películas con “la urgencia de lograr que la gente abandone la comodidad de sus hogares”, dice. Descubrir qué significa urgencia –o “intención teatral”, para usar la jerga de marketing– es la obsesión actual de Hollywood.
Tom Cruise, por ejemplo, toma la emergencia literalmente: apuesta por el riesgo personal en forma de acrobacias anticuadas, no generadas por computadora, para emocionar a los apostadores. Funcionó para Top Gun: Maverick de 2022, la película número 2 a nivel mundial ese año (1.500 millones de dólares), pero no tanto para las dos últimas entregas de bajo rendimiento de la franquicia Misión: Imposible (ambas recaudaron menos de 600 millones de dólares en todo el mundo). Su emoción proselitista en los cines reales es una forma de definir la teatralidad, aunque el peligro es que este enfoque se base únicamente en la desaparición de la memoria muscular de los éxitos de taquilla del pasado. Pero la versión de cine tecnológico de Cameron tampoco es una garantía infalible, especialmente para secuelas, como Fire and Ash, que normalmente producen retornos decrecientes para el público estadounidense.
Con sus éxitos recientes arraigados en un pedigrí de larga data, ambos hombres parecen ser excepciones que prueban la nueva regla de la volatilidad de la taquilla. Irónicamente, fue la excepción en pantalla la ley de la realización de éxitos de taquilla en su apogeo en los años 80 y 90: caras excepcionales (estrellas de primer nivel) comprometidas en hazañas excepcionales (una historia que no se puede perder), alimentando la demanda a través de la escasez (un estreno cinematográfico exclusivo).
El alboroto en torno a algo como el thriller de Harrison Ford, The Fugitive, ahora parece pintoresco, pero era la definición de una película de eventos con mucho dinero en 1993. El bueno de Harrison Ford interpretado como un criminal y sometido a un peligro grave e implacable, con la breve y aguda conmoción de Tommy Lee Jones, fue un argumento que hay que ver. La película conserva suficiente sabor para convertirla en un catálogo de transmisión perenne. Pero se consideraría que un equivalente del siglo XXI, algo como Rebel Ridge, carece de suficiente teatralidad.
Los diversos motores tradicionales (PI, efectos visuales superlativos, estrellas, narraciones nítidas) aún pueden generar teatralidad colectivamente. Pero esto se está volviendo cada vez más difícil, ya que muchos de estos pilares individualmente parecen frágiles. Gran parte de la propiedad intelectual ha sufrido demasiados lavados repetidos, aunque todavía sigue siendo territorio virgen (Warner trabajó eficazmente con las películas de Dune y con la película de mayor rendimiento de este año – mil millones de dólares en todo el mundo – Una película de Minecraft). La omnipresencia de efectos visuales y el aspecto sintético de gran parte de la obra restan valor al atractivo milagroso que idealmente debería ofrecer. La conmoción y el asombro de la revelación del braquiosaurio de Jurassic Park parecen muy lejanos.
En el lado de las estrellas, el dilema posterior a los 90 persiste: no hay garantía de que las nuevas supuestas estrellas, como Margot Robbie y Timothée Chalamet, tengan un éxito de taquilla consistente cuando no interpretan a nombres conocidos como Barbie o Harley Quinn, o Paul Atreides o Bob Dylan. A nivel de superproducción, Hollywood ahora sólo confía en el personal cuando está protegido por la propiedad intelectual adecuada; una configuración que convirtió a Spider-Man: No Way Home en la reunión de clase de lanzadores de telarañas de todos los tiempos, emparejando a Tom Holland con Tobey Maguire y Andrew Garfield, uno de los mayores éxitos teatrales de la era de la pandemia (casi $ 2 mil millones en todo el mundo).
Mientras tanto, se puede decir que se está sacrificando la narración precisa en favor del paquete de propiedad intelectual en el que la industria cinematográfica prefiere confiar para generar calor para los estrenos en cines. Demasiadas historias de gran éxito, que abarcan infinitas secuelas o guiños a un universo más amplio, ahora se basan en circunvoluciones diurnas a nivel de telenovela, en lugar de ofrecer eventos indelebles en la pantalla.
Las interminables traiciones y alianzas de la “familia” de Fast & Furious, la intriga de oficina igualmente camarilla del equipo Mission: Impossible de Ethan Hunt, la terapia de grupo post-mortem en Avengers: Endgame después del ataque de Thanos, muy poco de esto se siente dramáticamente impulsado y despiadado en la línea de éxitos de taquilla como Regreso al futuro o Mad Max: Fury Road. El incentivo para inflar la franquicia – extendiéndola con narraciones flojas y entregas sin sentido, como El Hobbit o las dos últimas versiones de Misión: Imposible – es simplemente demasiado tentador.
Mientras Hollywood lucha por definir qué constituye lo adecuado para el cine, existe un reconocimiento cada vez mayor de que el streaming y el cine no son un juego de suma cero. Para decirlo sin rodeos: “Cuanto mejor esté en los cines, mejor será la transmisión”, como dijo recientemente Joe Earley, director de Disney+ y Hulu, al New York Times. Por eso, por ejemplo, Amazon distribuyó su comedia de acción Red One, de Dwayne Johnson, valorada en 250 millones de dólares, en 4.000 salas de Estados Unidos; aunque no alcanzó el punto de equilibrio ($ 185 millones), el largo período de marketing ayudó a convertirla en la primera película del transmisor. Dos tercios de las 10 mejores películas semanales en inglés de Netflix desde 2022 se estrenaron en cines.
Razón de más por la que la industria necesita nuevas fuentes de teatralidad. En primer lugar, se trata de redefinir el cine de eventos como una película que convierte la novedad de una visita al cine en un evento, una estrategia explotada por una serie de éxitos pospandémicos. La incongruencia de Choose Your Side of Barbie (1.440 millones de dólares en todo el mundo) y Oppenheimer (975 millones de dólares), estrenada el mismo fin de semana de julio de 2023, denominada Barbenheimer, fue una situación en la que ambos salían ganando.
Deadpool & Wolverine (1.300 millones de dólares) utilizó un enfoque diferente para la participación de la audiencia, con niveles radiactivos de bromas de fanáticos que invitaban a los espectadores a la atmósfera de fiesta en la pantalla. Aprovechar una atmósfera participativa de entretenimiento en vivo es el objetivo del complejo industrial de adaptación que se está llevando a cabo en Broadway, con la esperanza de que la energía del teatro cantado se disipe en el cine; Las dos películas de Wicked generaron así unos ingresos impresionantes (759 millones de dólares/223 millones de dólares y contando).
Pero se trata de hechos aislados. Afortunadamente, las películas para niños estrenadas durante las vacaciones todavía parecen intocables, como lo reafirmó el fin de semana de Acción de Gracias de Zootopia 2, que batió récords. ¿Qué más puede ayudar a asegurar el futuro del cine? Atender adecuadamente al público teatral significa una distribución más amplia de los estrenos, y títulos como Sinners (con un presupuesto de 90 millones de dólares) y Weapons (38 millones de dólares) nos han recordado este año que los contendientes de presupuesto medio y alto, si se hacen bien, aún pueden promocionarse con tanta eficacia como los estrenos más populares.
Hay indicios de que este resurgimiento de la aventura se está extendiendo también a los presupuestos más reducidos. En lugar de arrojar peces más pequeños al streaming como líderes en pérdidas para obtener suscripciones, existe una creciente disposición a permitir que los despejes más baratos generen ganancias en los cines (aunque los estudios solo reciben un recorte del 50%, en comparación con el recorte del 80% de PVOD). Paramount, en particular, ha sido más franco que la mayoría de los estudios sobre su compromiso con una gama más amplia de estrenos teatrales. La película de terror de 2022 Smile, por ejemplo, estaba destinada a la transmisión en streaming, pero después de sobresalir en las proyecciones de prueba, recaudó 217 millones de dólares con un presupuesto teatral de 17 millones de dólares.
Una oferta más variada es, por supuesto, una buena noticia y refuerza el atractivo general de las salas de cine. Pero fomentar de manera sostenible dicha propagación significa controlar estrictamente los presupuestos: 42 millones de dólares hicieron viable la nueva versión de The Naked Gun (y generó ganancias); Una batalla tras otra, por muy obra maestra que sea, parece imprudente, con una cifra estimada de entre 130 y 175 millones de dólares.
Los cines alguna vez fueron palacios de ensueño, llenos de cortinas y luces fascinantes, con nombres como Million Dollar Theatre, The Rialto y Kino Babylon. Fuiste allí para entrar en la fantasía. Recuperar ese glamour parece un largo camino por recorrer en una época en la que las salas de cine son en su mayoría cobertizos industriales con incrustaciones de Haribo donde la gente hace una segunda proyección de sus OnlyFans favoritos mientras Rocket Raccoon grita por su atención. Pero la comunidad sigue siendo su verdadera PVU, un legado de la época en que toda la sociedad se reunía allí. Ya sean estrellas, un ambiente de fiesta o una serie de historias que tocan la vida de las personas, la mayor esperanza del cine ahora es mantener a los seres humanos en el centro de atención.
