CANNES, Francia— Técnicamente Cannes ya ha terminado y la búsqueda de la obra maestra continúa. Las críticas sobre la Croisette empiezan a sonar como esa clásica tira cómica en la que un explorador se arrastra desesperadamente por la arena hacia un oasis que no es más que un espejismo.
Hasta ahora, en un festival decepcionante, las buenas películas tienden a parecerse a las grandes, como “Paper Tiger” de James Gray, un sucio thriller con Adam Driver y Miles Teller interpretando a dos hermanos en la Nueva York de los años 80 que se ven envueltos en un proyecto para limpiar el Canal Gowanus. El ex policía del conductor conoce los códigos para hacer tratos con la mafia rusa; El ingeniero de Teller es aquel que no entender cómo hacer las cosas bien sólo empeora la situación. Como normandos, Teller y su ingenua esposa, interpretada por Scarlett Johansson, se sienten como niños jugando a disfrazarse. (La permanente de Johansson es un poco exagerada). Aún así, el guión es tenso y ajustado, y en este punto, estoy feliz de ver cualquier cosa con una trama.
“La Amada” de Rodrigo Sorogoyen tiene dos: es una película dentro de una película sobre un famoso director (Javier Bardem) que interpreta a su hija ex actriz (Victoria Luengo) en su último proyecto. La película de ficción parece rígida, una epopeya de época sobre la retirada colonialista española del Sahara en la década de 1930, que también sirve como metáfora de la ausencia destructiva del padre en la vida de su hijo ahora adulto. Al ser alcohólica, no es lo suficientemente estable como para resistir su repentina atención. La propia Luengo sostiene la cámara maravillosamente incluso en los momentos más débiles de su personaje, apagando su carisma cada vez que su padre necesita que ella lo encienda.
Considere esto como un modelo y una continuación de “Garance”, protagonizada por una vibrante y descuidada Adèle Exarchopoulos como otra actriz alcohólica. Agudo, rítmico y entretenido, es fantástico hasta el tramo final, que pierde fuelle y luego se detiene bruscamente.
Uno de los grandes temas del festival parece ser la conexión: todos estamos atrapados en esta roca y, en última instancia, la diferencia entre humanos y androides, hombres y mujeres, es discutible. En al menos tres películas, alguien dice: “Así es la vida” encogiéndose de hombros. Pero las películas en sí mismas carecen de vida. Peor aún, son largos. Puedo rodar con películas que son principalmente vibraciones, pero sólo dentro de un límite: digamos 85 minutos.
Sophie Thatcher en la película “Su infierno privado”.
(Neón)
“Her Private Hell” de Nicolas Winding Refn es más larga que eso y la inercia es insoportable. El director danés de “Drive” no ha dirigido un largometraje desde que “Neon Demon” se estrenó en Cannes en 2016, y este oscuro cuento de hadas parece más una finta que un regreso. Una chica malhumorada (Sophie Thatcher) merodea por un rascacielos brumoso con su joven y sexy madrastra (Havana Rose Liu) preocupándose distraídamente por un asesino llamado el Hombre de Cuero. Abajo, un soldado del ejército (Charles Melton) rastrea al asesino. No sucede mucho más que fumar empedernido, cambios de vestuario y tomas interminables de luces estroboscópicas que cambian de color recorriendo los pómulos de los actores. Afortunadamente, Kristine Froseth añade algo de ánimo como una tonta que aún no ha aprendido a hablar con tanta soltura como los demás.
Gran parte de la programación se compone de películas tediosas realizadas por queridos veteranos de Cannes, lo que es esencialmente un paso positivo para los autores. Hace ocho años, Hirokazu Kore-eda ganó la Palma de Oro por “Shoplifters”, un retrato caótico y encantador de una familia de estafadores. Ahora está de regreso con “Sheep in the Box”, una ingeniosa y aburrida historia sobre dos padres afligidos que adoptan un clon de su hijo fallecido. “Sheep” aspira a una catarsis spielbergiana (una escena parece presentarse como una versión artística de la “inteligencia artificial AI”), pero los personajes humanos resultan ser tan mecánicos como el pequeño robot. Entre la decoración mohosa y la partitura empalagosa, es el equivalente cinematográfico de un plato de dulces rancios.
Arthur Harari, quien coescribió “Anatomy of a Fall” en 2023, ganadora de la Palma y del Oscar, está aquí como director de “The Unknown”, un drama forzado sobre un fotógrafo malhumorado que se despierta en el cuerpo de Léa Seydoux después de una aventura de una noche sin nombre ni palabras. Puedes imaginar a Brian De Palma corriendo con la idea del contagio sexual (o al director de “It Follows”, David Robert Mitchell, quejándose de que merecía un crédito de escritura inspiradora). Pero la trama cambiante de “The Unknown” se detiene una vez que nos damos cuenta de que, para empezar, ninguno de los personajes tiene personalidad. ¿A quién le importa qué alma hay dentro de cada caparazón si todos tienen un rostro monótono y relajado? “Cara/Apagado” no es el caso.
Léa Seydoux en la película “Lo desconocido”.
(Festival de Cine de Cannes)
En este sentido, uno de los momentos más emotivos hasta la fecha fue la inesperada entrega de una Palma de Honor a John Travolta. (Sí, su thriller de 1997 con Nicolas Cage estaba en el montaje de celebración). Ya rebosante de pasión por el estreno mundial de su primera película, “Propeller One-Way Night Coach”, Travolta se emocionó hasta las lágrimas. “Sorpresa completo! » Travolta jadeó, besó su trofeo y soltó: “Estaba feliz de estar aquí”. Efectivamente, así fue, como lo demuestra la informal boina blanca que lució para la ocasión, que rápidamente se volvió viral en las redes sociales.
El contagioso entusiasmo de Travolta se trasladó a la propia película, una bagatela semiautobiográfica sobre su amor infantil por los viajes aéreos. Ambientada en 1962, un niño de la edad de Travolta viaja de Nueva York a Los Ángeles en una serie de vuelos con su madre, quien espera conseguir un marido rico o un buen papel en Hollywood, en ese orden. La alegría del niño es tan estratosférica como el avión; le encanta todo excepto el pollo cordon bleu de la aerolínea. En cuanto a nostalgia, es “Un cuento de Navidad” con un tercio de chistes, sin cinismo y sin la duración suficiente para justificarse como película. Apenas una hora después, se aleja a tiempo para dejarte con una sonrisa tímida.
Si tuviera la opción, preferiría ver una película realmente terrible que una que fuera simplemente insulsa y mediocre. En este contexto, literalmente elogié “Butterfly Jam”, una película con defectos tan fundamentales que casi podría ser la versión del cineasta de “The Room”.
Ambientada en Nueva Jersey, “Butterfly Jam” es una historia de masculinidad tóxica entre jactanciosos inmigrantes circenses interpretados por Barry Keoghan, Harry Melling y Riley Keough, actores que, a pesar de su talento y esfuerzos aquí, son demasiado notoriamente irlandeses, ingleses y Graceland para ser parte convincente de una subcultura tan específica. La culpa es más del cineasta Kantemir Balagov que de ellos. Aunque supuestamente llegaron a Estados Unidos siendo adolescentes, los actores ni siquiera tienen acento, simplemente se tiñen el cabello de negro azabache. Aunque es absolutamente miserable, contiene una trama o al menos un argumento impactante que es tan espantoso que me marea. Unas escenas más tarde, un pelícano enciende una máquina de algodón de azúcar con su pico, lanzando azúcar caliente al aire (en serio) y casi aplaudí de alegría.
Woody Harrelson y Kristen Stewart en la película “Full Phil”.
(Festival de Cine de Cannes)
Del mismo modo, un amigo me advirtió que no me quedara despierto hasta las 2 de la madrugada para ver el estreno nocturno de “Full Phil” de Quentin Dupieux, advirtiéndome que era la peor película que habían visto en Cannes en más de una década. Pero no podía dejar de ver a Woody Harrelson y Kristin Stewart interpretar a un padre miserable y a su hija de vacaciones en París, dirigida por un excéntrico francés que rara vez deja de entretener, aunque esta vez se acerca.
La historia es sencilla: el padre se enoja, se agita y gime; la joven devora el servicio de habitaciones como si aspirara a convertirse en foie gras humano. “Full Phil” tardó aproximadamente una hora en revelar su punto (que la paternidad te convierte en un glotón de castigo) y los chistes son más gestos de dónde debería estar un chiste. Aún así, apoyo que Harrelson y Stewart se embarquen en un proyecto tan loco. Mejor aún, presumía de algo que faltaba: un final satisfactorio. Esperemos que el festival en sí también acabe con más fuerza.
