Konstantina Kotzamani llega a Cannes Una Cierta Mirada con su ópera prima “Titanic Ocean”, un drama sobre la mayoría de edad en japonés ambientado en un internado donde las adolescentes se entrenan para convertirse en sirenas profesionales.
La película se estrena el 20 de mayo y sigue a Akame, también conocida como “Deep Sea”, de 17 años, mientras aprende a realizar espectáculos submarinos, navegar por el amor y descubrir el poder de su propia voz.
La coproducción internacional estuvo dirigida por Maria Drandaki (Homemade Films), con coproductores de Grecia, Alemania, Rumanía, España, Francia y Japón. Filmada íntegramente en japonés con un elenco y un equipo japoneses, la película marca el salto de Kotzamani desde cortometrajes aclamados, incluidos “Limbo (2016)”, “Electric Swan (2019)” y “What Mary Didn’t Know (2024)”, hasta su trabajo más ambicioso hasta la fecha, que combina el mito griego, la estética pop y el lenguaje visual táctil construido en torno al agua y la identidad femenina.
Variedad habló con Kotzamani y Drandaki antes del estreno de la película en Cannes.
¿Cómo pensaste en la canción y la voz como parte de la narrativa, en lugar de solo un elemento de la partitura o la interpretación?
Kotzamani: Cuando comencé a escribir sobre esta escuela de sirenas, surgió el cuento de “La Sirenita”, pero con más fuerza aún el antiguo mito griego de las Sirenas: estas criaturas monstruosas pero profundamente femeninas que atraen a los hombres al mar con sus voces, al deseo, al abandono y a lo desconocido.
Mientras construía Akame (Mar profundo), la voz de la sirena se convirtió en una proyección de su arco interior. Comienza como una niña que apenas habla, callada y retraída. A través de su canto, su voz despierta y se convierte en un vehículo para expresar sus deseos en voz alta, permitiendo que sus necesidades internas se expresen plenamente en el mundo exterior. Su voz se vuelve lo suficientemente poderosa como para cambiar las mareas, levantar olas y transformar el mundo que lo rodea.
La relación de Akame con su entrenador se transforma en una relación basada en el deseo, el reconocimiento y el deseo. ¿Puedes hablar de esta dinámica?
Kotzamani: El viaje de Akame implica despertar, deseo y metamorfosis. El despertar de la sexualidad y la fuerza del amor se encuentran entre las energías más profundas que emergen tanto de la psique como del cuerpo.
El amor se convierte en un catalizador para Akame, pero el amor en la película parece inquietante e imposible. Es una relación prohibida, no sólo por la jerarquía dentro de la escuela, sino también por las diferentes especies: él es humano y ella es una sirena, aunque su cola sea de silicona.
El agua emerge como el principio organizador de la película, visual y emocionalmente. ¿Cuándo se convirtió en el lenguaje central de la película?
Kotzamani: Estaba claro desde el principio que la película se construiría en torno al choque entre lo artificial y lo orgánico. El agua dentro de la escuela pertenece a un mundo fabricado, al igual que los sueños fabricados de las niñas. El océano real representa algo infinito. Un lugar de libertad, donde realmente podemos encontrarnos a nosotros mismos.
Mientras escribía, volvió a mí una pesadilla infantil recurrente, la de una ola masiva. Introduje este miedo en la película. Para mí, hacer esta película se convirtió en una necesidad simbólica de curación: enfrentar la ola nuevamente y transformarla. No en destrucción, sino en creación y fuerza femenina.
¿Qué sentiste al pasar del cortometraje a tu primer largometraje?
KotzamánYO: “Titanic Ocean” fue ambiciosa en todos los niveles. Rodaje en Japón, rodaje submarino difícil y postproducción extremadamente exigente en cuanto a edición, diseño de sonido y VFX. Estuve fuera de casa durante casi tres años, lo que me trajo un costo emocional real y períodos de agotamiento.
Lo que también encontré muy conflictivo acerca de la realización de largometrajes es la idea de que una película ya no puede existir únicamente como un gesto artístico personal, sino que también debe llegar al mundo como un producto. La parte más difícil fue proteger tu propia voz y al mismo tiempo permitir que esa voz llegue a los demás.
¿En qué momento quedó claro que la película tenía que rodarse en Japón con un reparto y un equipo japonés?
Drandáki: Desde el principio, Konstantina quiso rodar la película fuera de Grecia y Europa, en el idioma del país y con un reparto local.
Aunque Japón siempre ha sido su principal fuente de inspiración, pensamos en otros países asiáticos por un tiempo e incluso exploramos Taiwán y Singapur mientras discutíamos el proyecto con productores de Corea del Sur y China. Pero siempre regresaba a Japón por razones estéticas y culturales que estaban en el centro de la película.
Durante el desarrollo, pasamos años buscando los socios adecuados en Japón. Al asociarnos con Happinet Phantom Studios y Mam Film, encontramos una manera de mantenernos fieles al corazón de la película respetando la realidad japonesa.
La película reúne a muchos socios globales. ¿Cómo ha funcionado en la práctica este nivel de colaboración transfronteriza?
Drandáki: En Homemade Films, muchas de nuestras películas son coproducciones, pero con “Titanic Ocean”, esta colaboración transfronteriza se ha llevado a otro nivel, trabajando no solo con equipos de cinco países europeos, sino también principalmente con elenco y equipo de Japón.
La película pertenece tanto a Occidente como a Oriente, Europa y Asia, y tiene las características de todas estas culturas, industrias cinematográficas y éticas de trabajo. Este encuentro de personas y culturas fue increíblemente creativo y, a menudo, explosivo. Lo que lo mantuvo unido fue el talento sin precedentes y la visión creativa de Konstantina. Todos los que participaron en la película entendieron y quisieron ser parte de esta visión.
También pasamos años buscando los socios adecuados para cada puesto y muchos meses construyendo juntos una visión común. Detrás de eso, teníamos un equipo de producción muy sólido que se mantuvo unido a lo largo de esta aventura de 10 años.
