No sólo es fácil perderse en las nuevas Galerías David Geffen del Museo de Arte del Condado de Los Ángeles, sino que es inevitable, intencional, y esa es una de las mejores cosas de este lugar.
El museo deconstruyó la narrativa tradicional y cuadrada de la historia del arte e hizo la historia misma a partir de curvas y continuidades. El arte de la colección se libera de sus silos departamentales y se coloca en conversación a través de géneros, lugares y épocas.
El museo ha invalidado físicamente los binarios de centro y periferia, artes mayores y menores. De una manera sorprendente y en gran medida gratificante, LACMA ha hecho lo que la poeta Audre Lorde, aludiendo a un aspecto diferente pero no desvinculado de la dominación patriarcal, consideró imposible: utilizar las herramientas del amo para desmantelar la casa del amo.
El cambio va mucho más allá de una simple renovación. Es una reinvención, una recalibración, un sueño febril revisionista.
La visión concebida por el director ejecutivo y director ejecutivo del museo, Michael Govan, y el arquitecto Peter Zumthor, no es perfecta y conlleva un modesto conjunto de frustraciones, pero en general la instalación es encantadora y vigorizantemente fresca. Nos sumerge en el flujo eterno e interminable de creadores de todo el mundo que consideran la vida, la tierra y el ser.
Esto nos impulsa, a medida que nos movemos, a reflexionar sobre nuestras propias inclinaciones y preconceptos, nuestros patrones de recepción y percepción.
Esto requiere que reconozcamos que lo que importa no es sólo Qué vemos en el museo pero cómo vemos qué nos une y por qué, qué historias privadas aportamos a la ocasión, qué expectativas, qué herramientas.
En el transcurso de dos visitas al nuevo edificio, mis señales físicas importaron cada vez menos a medida que me entregaba a las sensaciones generativas de no saber. El museo ha elaborado una densa guía de las nuevas galerías, cuyo título “Wander” es a la vez una invitación y un imperativo. Incluso con 430 páginas, el libro resulta de poca utilidad como dispositivo de orientación. Para ayudar con esta navegación interna, el conmovedor libro de Rebecca Solnit de 2005, “Una guía de campo para perderse”, ha demostrado ser una mejor brújula.
La guía del LACMA sobre las Galerías David Geffen, titulada “Wander”, también sirve como invitación e imperativo.
(Asociados del Museo / LACMA)
Solnit, citando al crítico cultural Walter Benjamin, escribe: “estar perdido es estar plenamente presente, y estar plenamente presente es poder estar en la incertidumbre y el misterio”. Continúa recordando cómo moverse libremente cuando era niño era esencial para desarrollar la independencia, lo que parece apropiado para la estrategia de LACMA. Tenemos la tarea de forjar nuestro propio camino, a través de tapices y juegos de té, más allá de cántaros antiguos y esfinges contemporáneas, sin una dirección dominante e imponente.
La historia del arte se lee aquí como un largo poema en verso libre, magnífico y cautivador. A pesar de esto, muchos de los momentos más memorables se presentan en forma de microensayos convincentes, cuerpos de trabajo hábilmente organizados y basados en una premisa lúcida y legible. Algunos de ellos están contenidos dentro de cuatro paredes (rectileñas); algunos ocupan espacios menos definidos. “Variaciones tonales: fotografía y música”, por ejemplo, reúne imágenes de Paul Caponigro, William Eggleston, Lisette Model y otros. Estos artistas también eran pianistas serios, sensibles, cualquiera que fuera el instrumento que utilizaran, a las cualidades del ritmo, el patrón y la progresión.
Modelo Lisette, “Ventana de la Quinta Avenida”, 1940, Museo de Arte del Condado de Los Ángeles
(Asociados del Museo / LACMA)
En una sección titulada “El atractivo global de la cerámica azul y blanca”, una larga vitrina alberga una línea de tiempo articulada escultóricamente. La secuencia pasa de un cuenco del siglo IX fabricado en Irak a una vasija china del siglo XIII, un ejemplo de Tailandia del siglo XIV, otro del siglo XV en Siria y la obra de un artista alemán del siglo XX que transformó una vasija funcional en un adorno personal cortando un collar de perlas en la superficie plana del cuenco.
Plato, Türkiye, Iznik, c. 1530-35, Museo de Arte del Condado de Los Ángeles
(Asociados del Museo / LACMA)
En la pared frente a esta exhibición hay una enorme vitrina que contiene una vasija de Talavera de México del siglo XVIII, junto con una fotografía en color de 2025/26 de Stephanie H. Shih, con sede en Brooklyn. En la composición de naturaleza muerta, una audaz lección visual sobre la colisión y convergencia de culturas, la maceta contiene flores, cactus y delicias mexicanas comestibles influenciadas por sabores chinos y filipinos.
Arriba, Stephanie H. Shih, 梅國 “(Naturaleza muerta con Chamoy y Dirty T Tamarindo)”, (2025-26); fondo, maceta (alrededor de 1700-50)
(Asociados del Museo / LACMA)
Shih es uno de los pocos artistas encargados de crear nuevas obras utilizando la colección del museo como musa. Lauren Halsey, que vive en Los Ángeles, es otra. Su formidable esfinge de 2026, sin título, domina majestuosamente su espacio entre las esculturas egipcias y romanas antiguas, una maravilla tanto intertemporal como interespacial, salpicada de referencias específicas a la autodeterminación negra.
Colocar obras más nuevas entre las más antiguas es una parte eficaz del plan general de LACMA para deshacerse de jerarquías obsoletas. Redefine cada obra de arte de cada artista en el espacio de un solo piso como igualmente relevante. La perfecta integración de lo antiguo y lo nuevo parece sigilosa y un poco subversiva, una duplicación del enfoque del museo hacia el tiempo como no lineal, serpenteante y deliciosamente resbaladizo.
La Esfinge sin título 2026 de Lauren Halsey.
(Asociados del Museo / LACMA)
Dicho esto, unas pocas palabras de fácil acceso conectarían los puntos sin restar valor a la provocación. El texto –dónde y cómo aparece o no– es mi única queja importante con la instalación de las nuevas galerías.
Los paneles de texto anuncian, en uno o dos párrafos, los temas de cada sección: “Imágenes de lo Divino en el sur de Asia”; “La evolución de la pintura abstracta en la Corea moderna”; “Conversaciones textiles: África y América negra. » Las etiquetas de los objetos individuales son mínimas y contienen solo una identificación básica sobre cada trabajo, sin comentarios. Cuando se le preguntó sobre esta decisión durante mi primer recorrido, Govan respondió que más tiempo leyendo significa menos tiempo buscando – “y tenemos Internet”. Cada panel de texto temático presenta un código QR que enlaza con la aplicación Bloomberg Connects, una guía global de museos y otros sitios culturales que ofrece entradas mejoradas y seleccionadas.
Determinar hasta qué punto la información educativa es relevante y suficiente, y hasta qué punto constituye una explicación artística excesiva, es un desafío delicado y continuo para los museos. El lugar donde LACMA ha aterrizado en esta llanura en disputa me parece desafortunado y contraproducente.
Unas pocas líneas de explicación o contexto en una etiqueta de pared pueden agregar perspectiva incluso al visitante más informado y brindar un apoyo crucial a aquellos con menos exposición y acceso al arte.
Puedes tomar o dejar texto en una pared sin interrumpir tu ritmo, pero al texto al que se accede mediante un código QR es otra cuestión. (No importa que la conectividad sea irregular dentro de una enorme carcasa de concreto, y en varias ocasiones cuando intenté obtener información de la aplicación no pude). Animarnos a desviar nuestra mirada de la pared a nuestros dispositivos, asumiendo esa maldita inclinación del cuello hacia abajo cuando los esplendores abundan ante nuestros ojos, es francamente perjudicial. Rompe el hechizo de la pérdida fructífera en el presente y nos devuelve a las distracciones digitales que dominan nuestros días.
Texto mural junto a “Tres estudios de Lucian Freud” de Francis Bacon (1969), en el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles.
(Asociados del Museo / LACMA)
¿No deberían las mentes imaginativas que crearon este espacio, esta oportunidad de deleitarse con la experiencia sensual directa, querer que mantengamos nuestra atención donde está nuestro cuerpo? ¿A qué se debe este retorno a las convenciones actuales, cuando el resto de la experiencia implica una reinvención radical? Esto parece una oportunidad perdida. Espero que todavía pueda surgir un enfoque más experimental y exploratorio para proporcionar información, contexto e interpretación, en línea con el resto del negocio.
¿Está la nueva estructura al servicio del arte? Sobre todo muy bueno.
La iluminación es variada, tratada como una textura más del espacio, palpable y rica. Hay una generosa cantidad de luz natural, pero algunas zonas están notablemente oscuras. Algunas paredes de la galería están vidriadas en tonos profundos (rojizo y berenjena) y la intensidad del color sorprende al principio. Pero se pueden encontrar espacios de visualización neutros y blancos (con iluminación uniforme y predecible) en otras partes del campus de LACMA y en casi cualquier lugar donde se exhiba arte. Aquí, la misma irregularidad del ambiente interior, incluidas las superficies de concreto, más ricas y con más textura de lo que esperaba, aumentó mi estado de alerta. Y los sentidos más agudos tienden a conducir a experiencias más importantes.
Al decidir cómo organizar aproximadamente 2.000 obras de arte en 110.000 pies cuadrados de espacio de exposición, LACMA diseñó un esquema conceptual que no es evidente en las galerías mismas. La guía “Wander” traza la división del espacio en cuatro regiones correlacionadas con masas de agua: los océanos Índico, Atlántico y Pacífico, y el mar Mediterráneo. Aunque las zonas y sus límites no están indicados por señales obvias, y detecté una clasificación errónea ridícula (las fotografías de Ansel Adams del desembarco en la costa del Pacífico en la sección del Atlántico), este diagrama al menos no interfiere.
Y lo que funciona en la estructura proposicional es su realineamiento completo. Se trata de eliminar los marcos históricos del arte del pasado, dependientes de las fronteras entre lugares y tiempos.
A lo largo de esta instalación, se nos recuerda repetidamente el impacto del comercio y la migración, el movimiento fluido de recursos y los sistemas de creencias. Esto nos recuerda la porosidad y la simultaneidad, y que todas las historias del arte son, en última instancia, estructuras proposicionales.
Aquí hay uno nuevo, dicen Galeries Geffen. Pruébalo. Podrías perderte. De hecho, tu voluntad Piérdase. Y qué maravillas te esperan en la incertidumbre y el misterio.
