La temporada 2025-26 de Broadway se ha caracterizado por largos periodos de inactividad interrumpidos por una avalancha de estrenos muy esperados. La impresión general era la de una industria teatral que estaba flotando en el agua: el objetivo era mantenerse a flote hasta que mejoraran la cultura, el estado de la política nacional y la economía de la producción.
No contengas la respiración. La lucha, agravada por los cambios tecnológicos impulsados por la IA, no terminará pronto. Pero más que nunca, el teatro parece satisfacer la necesidad de una experiencia colectiva y presencial. Si tan solo los precios de las entradas no fueran una barrera para un verdadero acceso democrático.
El punto fuerte de la temporada residió en las portadas, algunas de las cuales fueron tan innovadoras que ampliaron nuestra comprensión del término. “Edipo” de Robert Icke no fue realmente una recauchutación de un clásico griego antiguo y “Cats: The Jellicle Ball” puede haber sido fiel a la partitura de Andrew Lloyd Webber, pero todo lo demás en esta producción parecía completamente renacido.
El frenesí de la nueva economía de la atención no ha hecho más que inflar la importancia de los premios Tony, en detrimento del calendario de Broadway. Mientras viajaba a Nueva York a principios de marzo para formar parte del jurado de premios, me sentí frustrado por la falta de nuevas producciones de Broadway. Abril siempre es una avalancha, pero este año las primeras partes del otoño y la primavera fueron desiertos.
Las celebridades ya no garantizan una estampida virtual de taquilla, pero un avance alentador es la alineación de actores de renombre que ofrecen actuaciones estelares en obras que no eran nada más que exhibiciones de vanidad. Los aspectos más destacados de la temporada repletos de estrellas que no figuran aquí incluyen a Daniel Radcliffe en “Every Brilliant Thing” y Adrien Brody y Tessa Thompson en “The Fear of 13”.
Puede que el progreso esté disminuyendo, pero no ha terminado. Mi asistencia al teatro de Broadway ha tenido que ser selectiva este año por razones logísticas, pero estos son los artistas y producciones que me han sostenido durante esta temporada llena de acontecimientos.
Laurie Metcalf en “Little Bear Ridge Road”, a la izquierda, y con Nathan Lane en “Death of a Salesman”.
(Emilio Madrid; Julieta Cervantes)
Laurie Metcalf
Metcalf heredó, por amplio consenso, el papel de Helen Hayes como Primera Dama del Teatro Americano. Llevó su brillo de Everywoman a dos de los aspectos más destacados de la temporada de Broadway 2025-26: “Little Bear Ridge Road” de Samuel D. Hunter en el otoño y una reposición de “Death of a Salesman” que se estrenó en la primavera, ambas producciones dirigidas por Joe Mantello. Ganadora de dos premios Tony, es probable que gane una tercera por su actuación en “Salesman” como Linda, la discreta y dura esposa de Willy Loman. Pero su actuación principal en “Little Bear Ridge Road” es igualmente merecedora de reconocimiento. En la obra de Hunter, Metcalf interpreta a un personaje que no tiene tiempo para sutilezas sentimentales. Alcanzando su punto máximo a los 70 años, se convirtió en la gran intérprete teatral de sentimientos demasiado profundos para expresarlos con facilidad.
Kristolyn Lloyd, Irene Sofia Lucio, Betsy Aidem y Audrey Corsa en la producción de Broadway de “Liberation” de Bess Wohl, dirigida por Whitney White.
(Pequeño colmillo)
‘Liberar’
Recientemente nombrada ganadora del Premio Pulitzer de drama y lo mejor que he visto este año en Broadway, o en cualquier otro lugar, esta “obra de memoria sobre cosas que no recuerdo” de Bess Wohl explora el feminismo de la segunda ola a través del intento de una niña de recrear el grupo de extensión de su difunta madre en Ohio en la década de 1970. Esta divertida obra teatral rompe periódicamente la cuarta pared para plantear preguntas sobre la ética del proyecto dramático en cuestión. El dramaturgo reconoce el carácter especulativo e incompleto de la historia, que surge siempre de las necesidades y supuestos del momento en que se escribe. Pero después de cerrar en Broadway en febrero, podría encontrarse en desventaja a medida que se intensifica la campaña de los premios Tony. No es importante desde un punto de vista artístico. La obra y la producción, dirigida por Whitney White y con un elenco magníficamente adaptado que incluía a Susannah Flood y Betsy Aidem, brindaron al público una sesión de panel inolvidable sobre la siempre tensa política de igualdad.
Mark Strong y Lesley Manville en “Edipo”.
(Julieta Cervantes)
Lesley Manville en “Edipo”
“Edipo está curiosamente clasificado como un renacimiento. El mito subyacente es antiguo, pero Sófocles tiene poco que ver con esta reelaboración moderna de una historia de oportunismo político y miopía humana. La interpretación hipnótica de Manville como Yocasta, un complemento perfecto para el cortés y confiado Edipo de Mark Strong, se transforma en un monólogo desgarrador sobre el pasado de su personaje que duplica la tragedia. Cuando su voz majestuosa y su altura nítida finalmente ceden, el resultado es Abrumadora, la Yocasta de Manville despierta una inmensa simpatía sin disminuir en ningún momento la complicidad del personaje con el poder, lo disuade de preguntar “qué enfermos estamos”, porque ya sabe la respuesta.
John Lithgow como Roald Dahl en “Gigante”.
(Juana Marcos)
John Lithgow en “Gigante”
Una interpretación imponente con contornos impresionantes, la interpretación de Lithgow del autor británico dispéptico Roald Dahl infunde al drama de Mark Rosenblatt un misterio escalofriante. La obra gira en torno a una crisis provocada por el propio Dahl. Una reseña de un libro que critica a Israel por su invasión del Líbano cruza la línea del antisemitismo, y se espera que las consecuencias para las ventas de libros sean enormes, particularmente en Estados Unidos. Se envió a un representante de su editor estadounidense para convencer a Dahl de que se disculpara públicamente, lo que su editor británico, más conciliador, reconoció a regañadientes que era necesario. El debate que siguió deja a las partes en un amargo callejón sin salida. Pero se produce una transformación digna de uno de los retorcidos cuentos de Dahl cuando el escritor perversamente empeora una mala situación. Lithgow, repitiendo su actuación ganadora de Olivier, es aterrador y nada menos que humano en una de las actuaciones más valientes de la temporada de Broadway.
Joshua Henry y el elenco de “Ragtime”.
(Mateo Murphy)
Joshua Henry en “Ragtime”
Las palabras no pueden hacer justicia a las profundas profundidades musicales que Henry alcanza en esta ardiente reposición de “Ragtime”, dirigida por Lear deBessonet para el Lincoln Center Theatre. Como Coalhouse Walker Jr., el trágico protagonista de este musical basado en la novela de EL Doctorow, Henry imbuye la historia de un pianista prodigio negro despreciado por el racismo con un rico lamento de barítono sobre el pecado original de Estados Unidos. Su interpretación sublimemente conmovedora aporta una dimensión lírica a un musical que examina las fuerzas que socavan nuestra promesa democrática. Cuando Henry canta “Make Them Hear You” al final de su viaje, no hay nadie con un corazón funcional a quien no pueda alcanzar.
Lea Michele y Nicholas Christopher en el musical “Chess”.
(Mateo Murphy)
Lea Michele, Aaron Tveit y Nicholas Christopher en “Ajedrez”
Incluso con un libro nuevo, animado y divertido, “Chess” es un musical complicado de entender. Pero el triunvirato que lidera el electrizante resurgimiento de Michael Mayer presenta argumentos sólidos a favor de la serie. Michele, demostrando que su bravuconería en “Funny Girl” no fue un accidente, ofrece una interpretación mordaz de “Nobody’s Side”. Christopher, en una actuación estelar, derriba el ambiente en “Anthem” con la fuerza de su canto y la magnitud de su emoción. Y Tveit enciende “One Night in Bangkok” con éxtasis dionisíaco. Pero la puesta en escena funciona tan bien porque los actores son muy hábiles en seguir los movimientos de ajedrez de los personajes, que siempre intentan ir un paso por delante del peligro. .
El elenco de “Cats: The Jellicle Ball”.
(Matthew Murphy y Evan Zimmerman)
“Gatos: la bola de gelatina”
El gigante musical de Andrew Lloyd Webber se reinventa como un escaparate de baile de Harlem para la gloria LGBTQ+. La producción, codirigida por Zhailon Levingston y Bill Rauch, abandona la mascarada felina para un desfile de disfraces diseñados con inquebrantable inspiración por Qween Jean. Los personajes están equipados para batallas en pista dignas de “Paris Is Burning” y de la serie de televisión “Pose”. El concurso está presidido por el emperador de la fabulosidad teatral, André De Shields, en el papel del Viejo Deuteronomio, líder de la colonia Jellicle. “Cats” sigue siendo “Cats” (ahora y siempre, como advertía el icónico eslogan del musical), pero esta producción insufla nueva vitalidad al viejo león.
Jake Silbermann, izquierda, y Nathan Lane en “La muerte de un viajante”.
(Emilio Madrid)
“Muerte de un viajante”
La recuperación de Mantello de la obra maestra de Arthur Miller, realzada por la fiel brillantez de Linda de Metcalf, alcanza su fuerza catártica total en la escena final entre Willy Loman de Nathan Lane y Biff de Christopher Abbott. La evaluación padre-hijo, pospuesta durante mucho tiempo, no puede impedir que la obra tome un rumbo trágico. Pero expone momentáneamente los delirios voluntariosos y la culpa defensiva que han impedido que Willy vea a Biff como realmente es: no un dios que se ha saboteado a sí mismo, sino un hombre confundido, que es excepcional sólo en la aceptación de su propio carácter humilde. En otras palabras, es un espejo para Willy. Y en un breve y explosivo momento de reconocimiento entre sus personajes, Lane y Abbott azotan al público del Winter Garden Theatre en un paroxismo de pena.
María Wirries y LJ Benet en “Los niños perdidos”.
(Mateo Murphy)
“Los niños perdidos”
Los nuevos musicales se han visto eclipsados por las reposiciones esta temporada, pero “The Lost Boys” ha logrado escapar de la maldición que condenó a los musicales de vampiros anteriores, incluidos “Dance of the Vampires” y “Lestat”, gracias a un canto vertiginoso, un espectáculo de primer nivel y, lo más importante, una historia que no se ve pisoteada por los efectos especiales. El director Michael Arden, ganador del Tony el año pasado por “Maybe a Happy Ending”, redescubrió su toque mágico después de que “The Queen of Versailles” cerrara en Broadway en el otoño. “The Lost Boys”, que presenta un elenco bien elegido de estrellas en ascenso y veteranos consumados, no es un espectáculo perfecto. Pero para ser un musical sobre los no-muertos, es refrescante y humano.
June Squibb en “Marjorie Prime”.
(Juana Marcos)
junio squibb
Actuando en una producción de Broadway a los 96 años, Squibb merece una medalla, no sólo por su longevidad, sino también por su discernimiento y audacia. No regresó al escenario con un caballo de guerra o un proyecto vanidoso. En lugar de eso, eligió una obra aún adelantada a su tiempo, “Marjorie Prime” de Jordan Harrison, que se estrenó en el Mark Taper Forum en 2014. Este drama sobre el desamor, los secretos familiares y el extraño nuevo mundo de la IA, plantea antiguas preguntas existenciales para una era tecnológica vertiginosa. En esta verdadera producción coral, dirigida con precisión por Anne Kauffman, Squibb contó con el apoyo de un elenco de primer nivel que incluyó un giro desgarrador de Cynthia Nixon.
